Anmerkung der Redaktion: Die Konferenz der Harvard Initiative for Learning and Teaching (HILT) im vergangenen Mai bat die Teilnehmer, über die folgende Rahmenfrage nachzudenken: „Was sind in dieser Zeit der Störung und Innovation für Universitäten die Grundlagen für gutes Lehren und Lernen? Auf der Konferenz, nachdem eine Gruppe von Psychologen Aspekte der „Wissenschaft des Lernens“ diskutiert hatte, sprachen drei Redner die „Kunst des Lehrens“ an — unter ihnen die damalige Professorin für Kunstgeschichte und Architektur Jennifer L. Roberts (jetzt Elizabeth Cary Agassiz Professorin für Geisteswissenschaften), die auch das Doktorandenprogramm in American Studies leitet. Sie gestand begrenzte Exposition gegenüber Bildungstheorie, und fuhr dann fort, eine lebendige Demonstration der tiefen humanistischen Bildung und Lernen zu schaffen, aus ihrer eigenen Lehre in der Geschichte der Kunst gezogen, aber mit breiteren Anwendungen. Obwohl sie in ihrem Unterricht breit auf digitale Technologie zurückgreift, ist es ihrer Meinung nach auch wichtig, den Schülern Erfahrungen in Modi der pädagogischen Disziplin zu vermitteln, die den im digitalen Zeitalter aufkommenden Hochgeschwindigkeits-, technologisch unterstützten Pädagogiken — und den Erfahrungen – direkt entgegenstehen und Erwartungen zeitgenössischer Studenten. Roberts hat den folgenden Text aus ihrer Griffpräsentation angepasst.

Ich bin mir nicht sicher, ob es so etwas wie Unterricht im Allgemeinen gibt oder ob es wirklich eine wesentliche Unterrichtsstrategie gibt, die aus den verschiedenen Kontexten, in denen sie praktiziert wird, abstrahiert werden kann. Damit wir die disziplinäre Struktur, die jede Lehre definiert, nicht aus den Augen verlieren, möchte ich meine Kommentare heute im Kontext der Kunstgeschichte abgeben — und zwar in einer Form, die sich gelegentlich wie eine Kunstgeschichtsstunde anfühlt.

In den letzten Jahren habe ich das Gefühl, dass ich die zeitlichen Erfahrungen der Studierenden in meinen Kursen aktiver gestalten muss; dass ich bei der Gestaltung eines Lehrplans nicht nur Lesungen auswählen, Themen auswählen und die Reihenfolge des Materials organisieren muss, sondern auch das Tempo und das Tempo der Lernerfahrungen gewissenhaft und explizit festlegen muss. Wann werden die Schüler schnell arbeiten? Wann langsam? Wann wird von ihnen erwartet, dass sie spontane Antworten geben, und wann wird von ihnen erwartet, dass sie Zeit in tieferer Kontemplation verbringen?

Ich möchte mich heute auf das langsame Ende dieses Tempospektrums konzentrieren, um Möglichkeiten für Schüler zu schaffen, sich auf Entschleunigung, Geduld und immersive Aufmerksamkeit einzulassen. Ich würde argumentieren, dass dies die Art von Praktiken sind, die jetzt am meisten von der Fakultät aktiv entwickelt werden müssen, weil sie einfach nicht mehr „in der Natur“ verfügbar sind. Jeder äußere Druck, sozial und technologisch, treibt die Schüler in die andere Richtung, in Richtung Unmittelbarkeit, Schnelligkeit und Spontaneität — und gegen diese andere Art von Gelegenheit. Ich möchte ihnen die Erlaubnis und die Strukturen geben, langsamer zu werden.

In allen meinen kunsthistorischen Kursen, Graduate und Undergraduate, wird von jedem Studenten erwartet, dass er eine intensive Forschungsarbeit schreibt, die auf einem einzigen Kunstwerk seiner Wahl basiert. Und das erste, was ich sie im Forschungsprozess bitte, ist, eine schmerzhaft lange Zeit damit zu verbringen, dieses Objekt zu betrachten. Angenommen, ein Student wollte die Arbeit erkunden, die im Volksmund als Junge mit einem Eichhörnchen bekannt ist und 1765 in Boston vom jungen Künstler John Singleton Copley gemalt wurde. Bevor Sie in Büchern oder online recherchieren, wird von dem Studenten erwartet, dass er zuerst in das Museum der Schönen Künste geht, wo es hängt, und drei volle Stunden damit verbringt, das Gemälde zu betrachten und seine sich entwickelnden Beobachtungen sowie die Fragen und Spekulationen aufzuschreiben, die sich aus diesen Beobachtungen ergeben. Die Zeitspanne ist explizit so gestaltet, dass sie übermäßig erscheint. Entscheidend für die Übung ist auch die Museums- oder Archivumgebung, die den Schüler von seiner alltäglichen Umgebung und Ablenkungen befreit.

Viele der Schüler wehren sich zunächst dagegen, einer solchen Abhilfemaßnahme unterzogen zu werden. Wie kann es möglich sein, drei Stunden im Wert von Vorfall und Informationen auf dieser kleinen Oberfläche? Wie kann es möglich sein, drei Stunden lang Dinge in einem einzigen Kunstwerk zu sehen und darüber nachzudenken? Aber nach der Aufgabe sagen mir die Schüler immer wieder, dass sie erstaunt waren, welche Potenziale dieser Prozess freisetzte.

Es wird allgemein angenommen, dass die Vision unmittelbar ist. Es scheint direkt, unkompliziert und augenblicklich — weshalb es wohl zum Hauptsinn für die Bereitstellung von Informationen in der heutigen technologischen Welt geworden ist. Aber was die Schüler in dieser Aufgabe auf viszerale Weise lernen, ist, dass es in jedem Kunstwerk Details und Ordnungen und Beziehungen gibt, deren Wahrnehmung einige Zeit in Anspruch nimmt. Ich habe diese dreistündige Übung selbst an diesem Gemälde gemacht, um mich auf meine eigenen Forschungen zu Copley vorzubereiten. Und ich brauchte lange, um einige der wichtigsten Details zu sehen, die schließlich für meine Interpretation und meine veröffentlichte Arbeit an dem Gemälde von zentraler Bedeutung wurden.

Nur ein paar Beispiele aus der ersten Stunde meines eigenen Experiments: Ich brauchte neun Minuten, um zu bemerken, dass die Form des Ohres des Jungen genau die der Halskrause am Bauch des Eichhörnchens widerspiegelt — und dass Copley eine Art Verbindung zwischen dem Tier und dem menschlichen Körper und den sensorischen Fähigkeiten jedes einzelnen herstellte. Es dauerte 21 Minuten, bis ich die Tatsache registrierte, dass die Finger, die die Kette hielten, genau den Durchmesser des Wasserglases unter ihnen überspannten. Es dauerte gut 45 Minuten, bis mir klar wurde, dass die scheinbar zufälligen Falten und Fältchen im Hintergrundvorhang tatsächlich perfekte Kopien der Formen von Ohr und Auge des Jungen sind, als hätte Copley sich vorgestellt, dass sich diese Sinnesorgane auf der Oberfläche hinter ihm verteilen oder einprägen. Und so weiter.

Diese Übung zeigt den Schülern, dass nur weil Sie etwas angeschaut haben, nicht bedeutet, dass Sie es gesehen haben. Nur weil etwas sofort für die Vision verfügbar ist, bedeutet das nicht, dass es sofort für das Bewusstsein verfügbar ist. Oder, etwas allgemeiner ausgedrückt: Zugang ist nicht gleichbedeutend mit Lernen. Was den Zugang zum Lernen macht, ist Zeit und strategische Geduld.Der Kunsthistoriker David Joselit hat Gemälde als tiefe Reservoire zeitlicher Erfahrung beschrieben — „Zeitbatterien“ – „exorbitante Vorräte“ an Erfahrung und Information. Ich würde vorschlagen, dass das Gleiche für alles gilt, was ein Student an der Harvard University studieren möchte — einen Stern, ein Sonett, ein Chromosom. Es gibt unendlich viele Informationen an jedem Punkt in der Ausbildung der Schüler. Sie müssen sich nur die Zeit nehmen, um diesen Reichtum freizusetzen. Und deshalb geht diese Lektion über Kunst, Vision und Zeit für mich weit über die Kunstgeschichte hinaus. Es dient als Meisterstunde im Wert kritischer Aufmerksamkeit, geduldige Untersuchung, und Skepsis gegenüber unmittelbaren Oberflächenerscheinungen. Ich kann mir nur wenige Fähigkeiten vorstellen, die im einundzwanzigsten Jahrhundert im akademischen oder bürgerlichen Leben wichtiger sind.

Entschleunigung ist also ein produktiver Prozess, eine Form der geschickten Wahrnehmung, die die Schüler auf kritische Weise an der zeitgenössischen Welt orientieren kann. Aber ich möchte auch argumentieren, dass es eine wesentliche Fähigkeit für das Verständnis und die Interpretation der historischen Welt ist. Jetzt werden wir in die Kunstgeschichtsstunde gehen, die eine Lektion über die prägenden Kräfte der Kunst in der Weltgeschichte ist.

Ich habe Copleys Arbeit ausgewählt, um sie heute zu diskutieren, weil sie tatsächlich eine bedeutende pädagogische Resonanz hat. Es ist im Wesentlichen ein Beispiel für Fernunterricht des achtzehnten Jahrhunderts. 1765 war Copley der beste Porträtmaler Nordamerikas. Aber er fühlte sich in der Rückstau-Kolonie von Boston gestrandet, Tausende von Meilen entfernt von der nächsten Kunstakademie. Er war eindeutig ein talentierter Maler, aber er war größtenteils Autodidakt, und er sehnte sich danach, eine Chance zu haben, von den Mal-Superstars im akademischen Zentrum von London zu lernen. Also beschloss er, eine Art Fernkurs zu eröffnen. Und um diese Korrespondenz zu beginnen, malte er dieses Bild, packte es in eine Kiste, ging hinunter zum Bostoner Hafen, legte es auf ein Schiff, ging zurück in sein Atelier und wartete ab, welche Art von Feedback er von London über seine Arbeit erhalten würde.

Er musste sehr lange warten.Es dauerte ungefähr einen Monat, bis das Gemälde nach London gelangte, und dann steckte es mehrere Wochen im Zoll fest, und dann wartete es einige Wochen, bis es ausgestellt werden konnte, und dann schrieb ihm ein Freund von Copley einen Brief, in dem er einige der Dinge mitteilte, die er von den Akademikern gehört hatte. Er wartete eine lange Zeit, um es zu senden, an diesem Punkt dauerte es fast acht Wochen (Segeln jetzt gegen den Strom), um nach Boston auf einem anderen Schiff zurückzukehren. Alles in allem dauerte es ungefähr 11 Monate, bis Copley in der Lage war, den Brief seines Freundes zu öffnen und zu erfahren, dass Maler in London seine Arbeit im Allgemeinen für wunderbar hielten, aber dass sie darunter litt, eher „zu liney“ zu sein — und dass Copley in Betracht ziehen könnte, diesen Fehler zu korrigieren. Copley war sich nicht sicher, was das genau bedeutete, und schickte einen weiteren Brief, in dem er seinen Freund bat, sich weiter nach der Angelegenheit zu erkundigen. Dies wurde typisch für seine Fernausbildung.

Nun, die Leute in diesem Raum, die in der pädagogischen Feedback-Theorie erfahren sind, sind wahrscheinlich entsetzt. In der Tat würde dieses quälend langsame Reaktionstempo in Bezug auf die Bildungswissenschaft meiner Meinung nach als „nicht formatives“ Feedback identifiziert werden. Und doch möchte ich darauf hinweisen, dass Langsamkeit nicht unbedingt „nicht-formativ“ ist — im Falle dieses Gemäldes ist sie durchaus formativ. Lassen Sie mich klarstellen, dass ich nicht behaupte, dass wir 11 Monate warten sollten, um Papiere zurückzugeben. Ich spreche allgemeiner über die Notwendigkeit zu verstehen, dass Verzögerungen nicht nur inerte Hindernisse sind, die die Produktivität verhindern. Verzögerungen können selbst produktiv sein.

Wir können dies direkt in dem Gemälde sehen, das voller Anspielungen auf Zeit, Distanz und Geduld ist. Das Gemälde handelt von seiner eigenen geduldigen Passage durch Zeit und Raum. Sieh dir das Eichhörnchen an. Wie die seltsame Form des Bauchfells zeigt, ist dies, wenn man sich die Zeit nimmt, es zu bemerken, nicht irgendein Eichhörnchen, sondern ein fliegendes Eichhörnchen, eine in Nordamerika beheimatete Art mit offensichtlichen thematischen Resonanzen für das Thema Reisen und Bewegung. (Der vollständige Titel des Werkes lautet Ein Junge mit einem fliegenden Eichhörnchen.) Darüber hinaus wurden Eichhörnchen in Malerei und Literatur allgemein als Symbole für Fleiß und Geduld verstanden. Dann: das Glas Wasser und die Hand. In seiner langen Karriere ist dies das einzige Glas Wasser, das Copley jemals in ein Gemälde aufgenommen hat. Warum? Nun, zum einen evoziert dieses Motiv den Durchgang einer Sinneskette durch ein Gewässer und stellt damit im Mikrokosmos die Notlage oder Aufgabe des Gemäldes selbst dar. Oder denken Sie an das Profilformat des Porträts — ungewöhnlich für Copley. Jahrhundert das Profilformat sehr stark mit der Persistenz in Zeit und Raum verbunden war. Wo war man am ehesten ein Profil zu sehen? Auf einer Münze. Was ist eine Münze? Im Wesentlichen ist eine Münze ein Werkzeug, um Werte auf möglichst stabile Weise durch Raum und Zeit zu übertragen. Münzen sind Technologien, um Zeit und Distanz zu überspannen, und Copley leiht sich diese Assoziationen für ein Gemälde aus, das versucht, dasselbe zu tun.Copleys Gemälde ist mit anderen Worten eine Verkörperung der Verzögerungen, die es ertragen musste. Wenn Copley sofortigen Zugang zu seinen Lehrern in London gehabt hätte, wenn es einen edX-Kurs der Royal Academy gegeben hätte, wäre er nicht gezwungen gewesen, so zu malen, wie er es tat. Eine Änderung des Austauschtempos hätte die Form und den Inhalt des Austauschs geändert. Dieses besondere Gemälde würde einfach nicht existieren. Dieses Gemälde entsteht aus Verzögerung, nicht trotz.

Und dies ist tatsächlich eine Lektion mit viel breiteren Implikationen für jeden, der am Lehren oder Lernen von Geschichte beteiligt ist. In den Tausenden von Jahren der menschlichen Geschichte, die unserem gegenwärtigen Moment der augenblicklichen Kommunikation vorausgingen, wurde das Gewebe des menschlichen Verständnisses bis zu einem gewissen Grad aus Verzögerung, Verspätung und Warten gewebt. Alle Objekte wurden aus langsamer Zeit hergestellt, so wie Copleys Malerei ihre eigene Verzögerungssituation konkretisiert. Ich denke, wenn wir verantwortungsvoll Geschichte lehren wollen, müssen wir den Schülern die Möglichkeit geben, die prägenden Werte von Zeit und Verzögerung zu verstehen. Der Geschichtsunterricht wurde lange Zeit so verstanden, dass er den Schülern beibrachte, sich andere Zeiten vorzustellen; nun, es erfordert auch, dass sie verschiedene Zeitlichkeiten verstehen. Zeit ist also nicht nur ein negativer Raum, eine passive Pause, die es zu überwinden gilt. Es ist eine produktive oder formende Kraft an sich.

Angesichts all dessen möchte ich mit einigen Gedanken über das Lehren von Geduld als Strategie abschließen. Das bewusste Engagement der Schüler sollte selbst eine primäre Fähigkeit sein, die wir den Schülern beibringen. Es ist eine sehr alte Idee, dass Geduld natürlich zu Geschicklichkeit führt – aber es scheint jetzt dringend, dass wir weiter gehen und über Geduld selbst als die zu erlernende Fähigkeit nachdenken. Zugegeben – Geduld könnte ein ziemlich harter Verkauf als pädagogisches Ergebnis sein. Es klingt nostalgisch und grundlos traditionell. Aber ich würde argumentieren, dass sich die Bedeutung von Geduld heute von ihren ursprünglichen Konnotationen umgekehrt hat, da sich die Form der Zeit um sie herum geändert hat. Die Tugend der Geduld war ursprünglich mit Nachsicht oder Leiden verbunden. Es ging darum, sich dem Bedürfnis anzupassen, auf Dinge zu warten. Aber jetzt, wo man im Allgemeinen nicht auf Dinge warten muss, wird Geduld zu einem aktiven und positiven kognitiven Zustand. Wo Geduld einst einen Mangel an Kontrolle anzeigte, ist es jetzt eine Form der Kontrolle über das Tempo des zeitgenössischen Lebens, die uns sonst kontrolliert. Geduld bedeutet nicht mehr Entmachtung – vielleicht ist Geduld jetzt Macht.

Wenn „Geduld“ zu altmodisch klingt, nennen wir es „Zeitmanagement“ oder „zeitliche Intelligenz“ oder „massive zeitliche Verzerrung“.“ So oder so, ein Bewusstsein für Zeit und Geduld als produktives Medium des Lernens ist etwas, das ich fühle, ist dringend zu modellieren—und erwarten—meine Schüler.