Poesie hat Künstler immer inspiriert. Ovids Metamorphosen und Dantes Göttliche Komödie sind zwei der beständigsten. Und laut Art Everywhere, von dem ich hier wenig sagen werde, aber an anderer Stelle geschrieben habe (siehe Seitenleiste), ist das Lieblingsbild der Nation von einem neueren Gedicht inspiriert: JW Waterhouses The Lady of Shalott zeigt die unglückselige Heldin von Tennysons berühmtem Vers, die sich unaufhaltsam auf ihren wässrigen Tod zubewegt „wie ein kühner Seher in Trance“. Der zweite Favorit ist übrigens eine weitere narrative Illustration einer unglückseligen Heldin, die kurz davor steht, ihrem wässrigen Schicksal zu begegnen – Millais ‚Ophelia.

Die viktorianische Ära war das letzte große Hurra literarisch inspirierter visueller Kunstwerke, und es war entschieden gotisch im Geschmack. Aber das 20.Jahrhundert sah den Tod der erzählenden Malerei, und Illustrationen aus Mythos und Literatur fielen aus der Mode.

Maler waren natürlich immer noch von der Literatur beeinflusst, aber der Einfluss spielte sich mit einigen bemerkenswerten Ausnahmen auf abstraktere, nebulösere Weise ab. Stattdessen finden wir einen entscheidenden Schalter – es sind Schriftsteller, die sich zunehmend den Werken von Malern und Bildhauern zuwenden. Dichter schauten auf den historischen Kanon – ich habe ihn hier nicht aufgenommen, aber Larkins An Arundel Tomb ist sicherlich das größte Nachkriegsgedicht, das von einem einzigen Kunstwerk inspiriert wurde. Aber häufiger modernistische Dichter, vor allem in Amerika, schaute auf modernistische Künstler für Inspiration.

Der konservative Larkin war kein Fan der Moderne und sah Hässlichkeit und Zerstörung in seinen Methoden. Doch für viele andere Schriftsteller erschien die Moderne in der bildenden Kunst in ihrer Formengewalt regenerativ. Wie bildende Künstler des 20.Jahrhunderts porträtierten Schriftsteller nicht mehr ein Fenster zur Welt, wie es seit der Renaissance erschienen war, sondern offensichtlich gefiltert und durch die Vorstellungskraft auf verblüffende Weise verändert. Um Wallace Stevens (Nr.4) zu zitieren, der auf Picassos „Der alte Gitarrist“ antwortete: „Die Dinge, wie sie sind, werden auf der blauen Gitarre verändert.“

Im Folgenden habe ich als Antwort auf alte und moderne Gemälde neun Gedichte aus dem 20.Jahrhundert und ein Gedicht aus dem 21.Jahrhundert ausgewählt. Die Gedichte werden durch die Gemälde illustriert, die ihre Gedanken direkt inspirierten.

Trauerbild (Hauptbild), Edwin Ramanzo Elmer, 1890

Der wenig bekannte amerikanische Künstler Edwin Ramanzo Elmer malte dieses seltsame und fesselnde Werk nach dem Tod seiner 9-jährigen Tochter Effie an einer Blinddarmentzündung. Hier wird sie mit ihrem Haustier Lamm und Kätzchen porträtiert, gegen das Schindelhaus, das ihr Vater im Westen von Massachusetts gebaut hat. Die abgelegenen und starren Figuren des Künstlers und seiner Frau erscheinen in Trauerkleidern, obwohl das Gemälde erst Jahrzehnte später seinen Titel erhielt und nicht vom Künstler. Die erzählerische Stimme in Adrienne Richs Gedicht gehört der toten Effie, dem einzigen Kind des Paares. Eindringlich vergleicht sie die Adern des Fliederblattes mit der „Trauer-trancierten Hand“ ihres Vaters.

1. Trauerbild, Adrienne Rich (1965)

Sie haben den Mahagonistuhl und die Zuckerrohrwippe
unter den Fliederbusch getragen,
und mein Vater und meine Mutter sitzen dunkel da, in schwarzen Kleidern.
Unser Schindelhaus steht fest auf seinem Hügel,
meine Puppe liegt in ihrem Korbwagen
mit Blick auf Western Massachusetts.
Das war unsere Welt.
Ich könnte jeden Grashalm neu machen
seine Raspel an meinen Fingern spüren,
die Karte jedes Fliederblattes herausziehen
oder das Aderennetz auf der Hand meines Vaters
in Trauer versetzen.

Aus meinem Kopf, halb berstend,
immer noch füllend, verdichtet sich der Traum –
Schatten, Kristalle, Decken, Wiesen, Taukugeln.
Unter dem dumpfen Grün der Flieder, draußen im Licht
Schnitzen jeder sprach von dem Kinderwagen, den gedrehten Verandasäulen,
unter hohen Frühsommerwolken,
Ich bin Effie, sichtbar und unsichtbar,
Erinnern und erinnern.

Landschaft mit dem Fall des Ikarus, Pieter Bruegel der Ältere, 1558

Es dauert eine Weile, bis wir die blassen Beine erkennen, die rechts im Bild im grünen Meer treten, da Bruegels großes Gemälde den Fall des Ikarus als zufälliges Ereignis zeigt, nicht das Hauptereignis dieser Szene. Aber die Bedeutungslosigkeit des menschlichen Leidens für das Universum ist in der Tat sein Thema. Der Pflüger setzt seine Aufgabe fort, während das „teure, empfindliche Schiff“, nachdem er zweifellos Zeuge des Vorfalls geworden war, „irgendwo hinkommen und ruhig weiterfahren musste.“ Der imagistische Dichter William Carlos Williams wurde ebenfalls inspiriert, ein Gedicht über dieses Gemälde zu schreiben, sowie ein weiteres berühmtes Bruegel-Werk, das hier enthalten ist (siehe Nr.3).

2. Musée des Beaux Arts, W. H. Auden (1938)

Über das Leiden waren sie nie falsch,
Die Alten Meister: wie gut sie verstanden
Seine menschliche Position; wie es sich abspielt
Während jemand anderes isst oder ein Fenster öffnet oder einfach nur dumpf entlanggeht;
Wie, wenn die Alten andächtig und leidenschaftlich auf die wundersame Geburt warten
, es immer
Kinder geben muss, die es nicht besonders wollten, schlittschuhlaufen
Auf einem Teich am Waldrand:
Sie haben nie vergessen
, dass selbst das schreckliche Martyrium seinen Lauf nehmen muss
Jedenfalls in einer Ecke, an einem unordentlichen Ort
, wo die Hunde mit ihrem Hündchenleben weitermachen und die torturer’s horse
Kratzt seinen unschuldigen Hinterteil an einem Baum.

In Brueghels Ikarus zum Beispiel: wie sich alles Ganz gemächlich von der Katastrophe abwendet; der Pflüger mag das Plätschern, den verlassenen Schrei gehört haben, Aber für ihn war es kein wichtiges Versagen; die Sonne schien, wie es musste, auf die weißen Beine, die im grünen Wasser verschwanden; und das teure zarte Schiff, das etwas Erstaunliches gesehen haben muss, ein Junge, der vom Himmel fiel, Hatte irgendwo zu erreichen und segelte ruhig weiter.

Jäger im Schnee, Pieter Bruegel der Ältere, 1565

Bruegels atemberaubendes Panoramabild zeigt eine Szene im härtesten Winter. Die müden Jäger des Titels kehren am Ende einer enttäuschenden Jagd nach Hause zurück (die Belohnungen ihrer Arbeit sind, wie wir sehen, dürftig, und selbst die Hunde sehen ein wenig traurig aus, obwohl die weite Aussicht, auf die sie und wir herabblicken, spektakulär und erhebend ist). Die Szene wird mit auffallender Spärlichkeit beschrieben, wobei der Dichter Details herausgreift, die die Komposition als Ganzes ausmachen, und uns bewusst macht, dass „Bruegel der Maler“ diese Elemente sorgfältig und auffallend zusammenbringt.

3. Jäger im Schnee, William Carlos Williams (1962)

Das Gesamtbild ist Winter
eisige Berge
im Hintergrund die Rückkehr

von der Jagd es ist gegen Abend
von links
kräftige Jäger führen in

ihr Rudel das Gasthausschild
hängt an einem
gebrochenen Scharnier ein Hirsch ein Kruzifix

zwischen seinem Geweih der kalte
Gasthofhof ist
verlassen, aber für eine Weile huge bonfire

das flackert windgetriebenen tendented von
Frauen, die Cluster
darüber hinaus auf der rechten Seite

der Hügel ist ein Muster von Skatern
Brueghel der Maler
besorgt über sie alle hat ausgewählt

ein vom Winter getroffener Busch für seinen
Vordergrund, um das Bild zu vervollständigen

Der alte Gitarrist, Picasso, 1903

Unten sind die ersten vier Cantos eines Gedichts, das sich um weitere 29 erstreckt. Stevens ‚rigoroses und brillantes Gedicht reflektiert die Natur der Realität und das Streben der Künstler, sie tiefgreifend zu verändern. „Things as they are / Are changed on the blue guitar“, heißt es im ersten Canto, und der Refrain „things as they are“ hallt wie ein wiederkehrendes Motiv in einem Musikstück wider. Stevens war stark von der Arbeit modernistischer Künstler beeinflusst, die den Bildraum abflachten und fragmentierten. Sein blauer Gitarrist ist ein „Shearsman of sorts“.

4. Der Mann mit der blauen Gitarre, Wallace Stevens (1937)

I

Der Mann beugte sich über seine Gitarre,
Eine Art Scherenschnitt. Der Tag war grün.
Sie sagten: „Du hast eine blaue Gitarre,
Du spielst die Dinge nicht so, wie sie sind.“Der Mann antwortete: „Die Dinge, wie sie sind, werden auf der blauen Gitarre verändert.“Und sie sagten dann: „Aber spiel, du musst,Eine Melodie jenseits von uns, aber uns selbst, Eine Melodie auf der blauen Gitarre Der Dinge genau so, wie sie sind.“
II
Ich kann eine Welt nicht ganz umrunden,
Obwohl ich sie flicke, wie ich kann.
Ich singe den Kopf eines Helden, großes Auge
Und bärtige Bronze, aber kein Mann,
Obwohl ich ihn Patch, wie ich kann
Und erreichen durch ihn fast auf den Menschen.
Wenn man fast dem Menschen ein Ständchen macht
Bedeutet, die Dinge so zu verpassen, wie sie sind,
Sagen Sie, dass es das Ständchen eines Mannes ist, der eine blaue Gitarre spielt.
III
Ah, aber Mann Nummer eins zu spielen,
Den Dolch in sein Herz zu treiben,
sein Gehirn auf das Brett zu legen Und die beißenden Farben herauszusuchen,
Seinen Gedanken über die Tür zu nageln,
Seine Flügel breiteten sich aus, um zu regnen und zu schneien,
Sein Leben zu schlagen hi und Ho,
Um es zu kreuzen, es zu klopfen, es wahr zu machen,
Zu knallen, wenn es ein wildes Blau bildet,
Das Metall der Saiten zu knallen …
IV
Das ist also das Leben: die Dinge, wie sie sind?
Es nimmt seinen Weg auf der blauen Gitarre.
Eine Million Menschen auf einer Schnur?
Und alle ihre Art und Weise in der Sache
Und alle ihre Art Und Weise, richtig und falsch,
Und alle ihre Art und Weise, schwach und stark?
Die Gefühle rufen verrückt, listig,
Wie ein Summen von Fliegen in der Herbstluft,
Und das ist dann das Leben: Dinge wie sie sind,
Dieses Bussen der blauen Gitarre.

Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, Rembrandt, 1669

Viele von Elizabeth Jennings ‚Gedichten sind direkte Antworten auf Gemälde; Sie könnten Ihre Wahl aus einem produktiven Pool treffen, der uns von Mantegna bis Mondrian führt. Hier spricht sie von der sengenden und wenig schmeichelhaften Ehrlichkeit von Rembrandts späten Selbstporträts – „Your brush’s care / Runs with self–knowledge“ -, die durch die unerschütterliche Darstellung der grausamen Veränderungen der Natur dazu beitragen, uns „von der Angst vor dem Tod“ zu befreien.“

5. Rembrandts späte Selbstporträts, Elizabeth Jennings (1975)

Sie werden mit sich selbst konfrontiert. Jedes Jahr
Die Beutel füllen sich, die Haut ist hässlicher.
Sie geben alles unerschütterlich. Du starrst
In dich hinein, darüber hinaus. Die Pflege Ihres Pinsels
Läuft mit Selbsterkenntnis. Hier
Ist ein Blick auf eins mit Handwerk.
Es gibt keine Arroganz. Stolz ist abgesehen
Von dieser Selbstkontrolle. Sie machen Licht Drift
, wie Sie wollen. Dein Gesicht ist gequetscht und verletzt
Aber es ist immer noch Liebe übrig.
Liebe zur Kunst und zu anderen. Bis zum letzten
Experiment ging weiter. Sie starrte über
Ihr Alter, die Zeiten. Du hast auch die Vergangenheit gezupft
Und temperiert. Selbstporträts verstehen,
Und das Alter kann veräußern,
Mit wahrheitsgemäßen Veränderungen, uns der Angst vor dem Tod.
Schau, eine neue Angst. Dort die aufgeblähte Nase,
Die Traurigkeit und die Freude. Malen ist atmen,
Und alle Finsternisse sind gewagt. Sie haben
gewählt, womit jeder rechnen muss.

Fortsetzung auf der Rückseite: Anne Sexton, Sylvia Plath, X.J Kennedy, Allen Ginsberg und George Szirtes

Die Sternennacht, Van Gogh, 1889

Van Goghs Gemälde vermittelt sowohl ein Gefühl wütender Bewegung als auch eine Atmosphäre der Gelassenheit: Sterne strahlen in einem turbulenten Himmel aus, doch die Stadt darunter, deren Existenz Sexton in der ersten Zeile negiert, erscheint ruhig und leer. Sexton, der 1974 Selbstmord beging, sehnt sich nach der Vergessenheit des Todes, als ob der Tod nur „in diesem rauschenden Tier der Nacht / von diesem großen grünen Drachen aufgesaugt“ verschwinden würde. Das Gedicht ist nicht so sehr ein Heulen des Schmerzes, sondern vielmehr ein dringender Ausdruck eines alles verzehrenden Verlangens – des unbändigen Verlangens, von einer Kraft überwältigt zu werden, die größer ist als man selbst.

6. Die Sternennacht, Anne Sexton (1961)

Die Stadt existiert nicht
außer wo ein schwarzhaariger Baum
wie eine ertrunkene Frau in den heißen Himmel rutscht.
Die Stadt schweigt. Die Nacht kocht mit elf Sternen.
Oh sternenklare Nacht! Das ist, wie
Ich will sterben.

Es bewegt sich. Sie sind alle am Leben.
Sogar der Mond wölbt sich in seinen orangefarbenen Eisen
, um Kinder wie einen Gott aus seinem Auge zu stoßen.
Die alte unsichtbare Schlange verschlingt die Sterne.
Oh sternenklare Nacht! Dies ist, wie
Ich sterben will:

in dieses rauschende Tier der Nacht,
von diesem großen Drachen aufgesaugt, um
von meinem Leben ohne Flagge,
ohne Bauch,
ohne Schrei zu trennen.

Die beunruhigenden Musen, de Chirico, 1918

Die beunruhigende Stimmung von De Chiricos Gemälde wird nicht nur in Sylvia Plaths verstörendem Gedicht, in dem sie sich ihre Kindheit vorstellt, von drei gesichtslosen Musen heimgesucht, die an die drei Schicksale der klassischen Mythologie erinnern, sowie an andere Trios unheimlicher Frauen aus Mythos und Literatur. Mit ihren erschreckend leeren Gesichtern „stehen sie wachsam“ über ihr, ihre seltsamen Figuren, wie de Chiricos Gemälde, werfen ihre langen Schatten „in die untergehende Sonne / Die niemals aufhellt oder untergeht“.

7. Die beunruhigenden Musen, Sylvia Plath (1957)

Mutter, Mutter, welche schlecht erzogene Tante
Oder welche entstellte und unansehnliche
Cousine hast du so unklug
Zu meiner Taufe ungefragt
gehalten, dass sie
diese Damen an ihrer Stelle
Mit Köpfen wie Stopfeiern zum Nicken
Und Nicken und nicken an Fuß und Kopf
Und an der linken Seite meiner Krippe schickte?

Mutter, die Geschichten
Von Mixie Blackshort, dem Heldenbären,
Mutter, deren Hexen immer, immer,
in Lebkuchen gebacken wurden, ich frage mich
Ob du sie gesehen hast, ob du
Worte gesagt hast, um mich von diesen drei Damen zu befreien
Nickte nachts um mein Bett,
Mundlos, augenlos, mit einem kahlen Kopf.

Im Hurrikan, als Vaters zwölf
Studienfenster in
Wie Blasen zerbrachen, füttertest du
Meinen Bruder und mich mit Keksen und Ovaltine
Und halfst uns beiden zu singen:
„Thor ist wütend: Boom boom boom!
Thor ist wütend: es ist uns egal!“
Aber diese Damen haben die Scheiben zerbrochen.

Als die Schulmädchen auf Zehenspitzen tanzten,
Taschenlampen wie Glühwürmchen blinzelten
Und das Glühwürmchenlied sangen, konnte ich
Keinen Fuß im funkelnden Kleid heben
Aber schwerfüßig stand ich beiseite
Im Schatten meiner trostlosen
Patinnen, und du weintest und weintest:
Und der Schatten streckte sich, die Lichter gingen aus.

Mutter, du hast mich zum Klavierunterricht geschickt
Und meine Arabesken und Triller gelobt
Obwohl jeder Lehrer meine Berührung
Seltsam fand, trotz Skalen
Und den Stunden des Übens, mein Ohr
Taub und ja, unlehrbar.
Ich habe gelernt, ich habe gelernt, ich habe woanders gelernt,
Von Musen, die von dir, liebe Mutter, losgelassen wurden

Ich bin eines Tages aufgewacht, um dich zu sehen, Mutter,
Schwebend über mir in blauester Luft
Auf einem grünen Ballon hell mit einer Million
Blumen und Bluebirds, die nie waren
Nie, nie, irgendwo gefunden.
Aber der kleine Planet wippte weg
Wie eine Seifenblase, wie du gerufen hast: Komm her!
Und ich stand meinen Reisebegleitern gegenüber.,

Tag jetzt, Nacht jetzt, an Kopf, Seite, Füße,
Sie stehen ihre Mahnwache in Kleidern aus Stein,
Gesichter leer wie der Tag, an dem ich geboren wurde,
Ihre Schatten lang in der untergehenden Sonne
Das wird nie heller oder geht unter.
Und das ist das Reich, zu dem du mich geboren hast,
Mutter, Mutter. Aber kein Stirnrunzeln von mir
Wird die Firma verraten, die ich halte.

Nude Descending a Staircase, Duchamp, 1912

Duchamps Nude Descending a Staircase wurde 1913 auf der berühmten Armory Show in New York gezeigt, wo er natürlich für Aufsehen sorgte. Bis dahin hatte der Vater der Konzeptkunst entschieden abgelehnt, was er abweisend „Netzhautkunst“ nannte, und produzierte im selben Jahr Bicycle Wheel, sein erstes Ready-made und das weltweit erste kinetische Kunstwerk. XJ Kennedy fängt die gedankenlose, mechanistische Bewegung der Figur ein – „Ein ständiges Dreschen von Oberschenkel zu Oberschenkel.“

8. Akt Absteigend eine Treppe, X. J. Kennedy (1961)

Zehe um Zehe schneit ein Fleisch,
Ein Gold aus Zitrone, Wurzel und Rinde,
Sie sichtet im Sonnenlicht die Treppe hinunter
Mit nichts an. Auch nicht in ihren Gedanken.

Wir spionieren unter dem Geländer aus
Ein konstantes Dreschen von Oberschenkel an Oberschenkel –
Ihre Lippen prägen die schwingende Luft
, die ihre Teile vorbeiziehen lässt.

Ein-Frau-Wasserfall, sie trägt
Ihren langsamen Abstieg wie einen langen Umhang
Und pausiert, auf der letzten Treppe
Sammelt ihre Bewegungen in Form.

L’Estaque, Cézanne, 1883

Cézanne malte rund 20 Ansichten von L’Estaque, einem Fischerdorf westlich von Marseille. Diese zeigen den Wechsel der Jahreszeiten und die wechselnden Lichtmuster zu verschiedenen Tageszeiten. Der Künstler bemühte sich jedoch um ein Gefühl zeitloser Monumentalität, das seiner Meinung nach in den Werken der Impressionisten fehlte. Hier blickt Allen Ginsberg über das hinaus, was das Gemälde seiner Meinung nach lediglich beschreibt, und auf eine transzendente Realität, die „auf der Leinwand nicht auftritt“. Jenseits der Bucht, und weg von dem Vordergrund, wo wir finden „Zeit und Leben / gefegt in einem Rennen“, ist, er sagt, „Himmel und Ewigkeit“.

9. Cézannes Häfen , Allen Ginsberg (1950)

Im Vordergrund sehen wir Zeit und Leben
in einem Wettlauf
auf die linke Seite des Bildes
, wo Ufer auf Ufer trifft.

Aber dieser Treffpunkt
wird nicht dargestellt;
es kommt nicht auf der Leinwand vor.

Denn die andere Seite der Bucht
ist Himmel und Ewigkeit,
mit einem düsteren weißen Dunst über seinen Bergen.

Und das riesige Wasser von L’Estaque ist ein Vermittler
für winzige Ruderboote.

Diana und Actaeon, Tizian, 1556-59

Tizians Gemälde zeigt eine Szene zwischen Diana und Actaeon aus Ovids Metamorphosen. Es zeigt den Moment der zufälligen Entdeckung, als Actaeon nach einem Tag Jagd die nackte Diana beim Baden mit ihren Nymphen ausspioniert. Actaeon wird sofort in einen Hirsch verwandelt und von seinen eigenen Hunden gejagt und getötet, die ihn nicht erkennen. Szirties ‚Gedicht beginnt mit einem Zitat aus Donnes Elegie XX (Von seiner Geliebten, die ins Bett geht): „O mein Amerika, mein Neufundland“, ein verlockendes Spiel über sexuelle Entdeckung und Eroberung. Das Gedicht wird aus der Sicht von Actaeon erzählt, wobei Diana eine seltsame und etwas unheimliche Rolle einnimmt – „du trinkst / Nachtwasser“ liest sich als Anschuldigung aus dem Mund eines Ungerechten, der aber dennoch sein Verlangen zugibt.

10. Actaeon, George Szirtes (2012)

O, mein Amerika, mein Neufundland
John Donne, „Elegy 20“

O, mein Amerika, zufällig entdeckt,
hinter, wie es schien, einer Wäscheleine
schob ich beiseite, ohne nachzudenken –
Hat das Verlangen Gedanken oder definiert
sein Objekt und verbraucht alles auf einen Blick?

Du, mit deinem ganzen Fleisch sinkend
auf sich selbst in Haltungen des Schmerzes,
während die Hunde auf meinen Fersen
knurren am seltsamen roten Hemd
unter einem gehörnten Mond, trinkst du

Nachtwasser – sag mir, was das Auge stiehlt
oder leiht. Was können wir nicht loslassen
ohne Protest? Mein eigener Körper wendet sich
gegen mich, wenn ich spüre, wie er wächst
im Gegenteil. Was auch immer die Nacht offenbart

ist gefährlich gezahnt. Und so brennt der Körper
wie zerrissen von schierer Hautfülle
und weinen. Es trägt sein zerlumptes Kleid
wie etwas, in dem es einst Trost gefunden hat,
die Art von Komfort, die selbst ein Hund lernt

durch Duft. So Fleisch fällt weg, immer weniger
menschlich, wie das Verlangen selbst, obwohl Schmerz
noch registriert in der schrecklichen Balance
der Geist scheint so ungern zu behalten,
o, mein Amerika, meine Nacktheit!

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