(1895 – 1982)
Carl Orff – érudit, éducateur et compositeur – a vécu la majeure partie de sa vie à Munich, en Bavière. Beaucoup de ses œuvres originales majeures sont imprégnées du folklore bavarois.

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Après la Première Guerre mondiale, au cours de laquelle il a été blessé, Orff s’est tourné vers l’étude de la musique de la fin de la Renaissance et du début du Baroque, surtout celle de Claudio Monteverdi. Cela influencera ses opéras ultérieurs. Il a acquis une solide réputation pour sa réalisation de plusieurs partitions de Monteverdi, à commencer par Orphée en 1924, et a mis en scène et dirigé plusieurs œuvres de Heinrich Schütz, alors négligé. Le premier succès public d’Orff est survenu en 1937, avec la création de Carmina burana, son cadre d’un recueil de poésie médiévale trouvé dans un monastère bavarois.

Pendant le Troisième Reich, Orff a fait de son mieux pour garder la tête basse. Sa musique a largement disparu de la scène, mais est réapparue après la guerre. Après la guerre, il a été accusé de sympathies nazies, principalement par des personnes qui détestaient sa musique. Bien que la personnalité d’Orff était moins attrayante, c’est en fait un mensonge. Non seulement il n’y a pas de preuve que Orff ait collaboré, mais beaucoup de ses amis étaient associés au martyr anti-nazi Dietrich Bonhoeffer. La plupart des preuves suggèrent fortement qu’Orff ne s’intéressait aucunement à la politique. Orff est également devenu internationalement connu comme pédagogue de la musique, avec l’adoption de l’Orff-Schulwerk, une vaste collection continue de pièces pour enfants écrites en collaboration avec Gunild Keetman, à partir de 1935. Orff a mis l’accent sur les éléments essentiels de la musique: principalement le rythme et l’air dans un progrès de complication. Les enfants applaudissaient, chantaient et obtenaient leur diplôme sur des instruments spécialement conçus qui nécessitaient plus de musicalité que de technique.

Carmina burana, sans aucun doute le tube de la carrière d’Orff, a été influencé par son style et son orchestration par Les Noces d’Igor Stravinsky de 1923. Il a eu tendance à éclipser le reste de la production d’Orff, en particulier ses « opéras bavarois » très originaux, Der Mond (1938) et Die Kluge (1942). Orff y perfectionna son style  » folk « , dont il avait planté les graines à Carmina burana : sobre, mélodieux et extrêmement divertissant. Les livrets, écrits en dialecte bavarois épais, sont eux-mêmes de très haute qualité. Pendant et après la guerre, il est allé encore plus loin pour réduire sa musique à des éléments de base, généralement liés à des arrangements de textes classiques. Parmi les faits marquants de cette période, citons Antigone (1949) et Œdipe der Tyrann (1959), tous deux mettant en scène les traductions de Sophocle, Catulli carmina (1943) et Trionfo di Afrodite (1951) de Hölderlin, basées sur des textes d’Euripide et de Sappho. Orff a regroupé les deux dernières partitions avec Carmina burana pour former la grande œuvre scénique Trionfi.

Dans sa forme la plus caractéristique, la musique d’Orff repose sur la répétition de phrases courtes, un rythme électrisant, un recours plus que d’habitude aux percussions, souvent d’une manière étonnamment lyrique, et des couleurs orchestrales transparentes. Bien que si différent dans l’idiome, son travail paie une dette sans vergogne au début du baroque.

Jamais aussi prolifique, Orff écrivait de moins en moins en vieillissant. De 1971 à sa mort en 1982, il consacre une grande partie de son énergie à ses huit volumes de Carl Orff und sein Werk: Dokumentation. Diverses factions modernistes ont essayé de lui faire perdre le club, mais sa musique idiosyncratique refuse de mourir et a même eu des descendants, notamment certains minimalistes.