La poesia ha sempre ispirato gli artisti. Le metamorfosi di Ovidio e la Divina Commedia di Dante sono due delle più durature. E secondo Art Everywhere, di cui dirò poco qui ma di cui ho scritto altrove (vedi a lato), il dipinto preferito della nazione è ispirato a una poesia più recente: The Lady of Shalott di JW Waterhouse mostra la sfortunata eroina del famoso verso di Tennyson che si muove inesorabilmente verso la sua morte acquosa “come un audace veggente in trance”. Il secondo favorito è, per inciso, un’altra illustrazione narrativa di un’eroina sfortunata sul punto di incontrare il suo destino acquoso-Ofelia di Millais.

L’epoca vittoriana fu l’ultimo grande urlo di opere d’arte visive ispirate alla letteratura, ed era decisamente gotica. Ma il 20 ° secolo vide la morte della pittura narrativa, e le illustrazioni del mito e della letteratura abbandonarono la moda.

I pittori erano ancora influenzati dalla letteratura, naturalmente, ma l’influenza, con poche eccezioni degne di nota, si svolse in modi più astratti e nebulosi. Invece, troviamo un interruttore decisivo: sono gli scrittori che si rivolgono sempre più alle opere di pittori e scultori. I poeti hanno guardato al canone storico-non l’ho incluso qui, ma sicuramente An Arundel Tomb di Larkin è il più grande poema del dopoguerra ad essere ispirato da una singola opera d’arte. Ma più spesso i poeti modernisti, in particolare in America, guardavano agli artisti modernisti per l’ispirazione.

Il conservatore Larkin non era un fan del modernismo, vedendo bruttezza e distruzione nei suoi metodi. Eppure per molti altri scrittori, il modernismo nelle arti visive è apparso rigenerativo nella sua violenza per formare. Come gli artisti visivi del 20 ° secolo, gli scrittori non rappresentavano più una finestra sul mondo come era apparso dal Rinascimento, ma ovviamente filtrati e cambiati dall’immaginazione in modi sorprendenti. Per citare Wallace Stevens (n.4), rispondendo al vecchio chitarrista di Picasso, “Le cose come sono / sono cambiate sulla chitarra blu.”

Di seguito, rispondendo a dipinti antichi e moderni, ho scelto nove poesie del 20 ° secolo e una del 21 ° secolo. Le poesie sono illustrate dai dipinti che hanno ispirato direttamente i loro pensieri.

Immagine di lutto (immagine principale), Edwin Romanzo Elmer, 1890

Il poco noto artista americano Edwin Ramanzo Elmer dipinse questa strana e arrestante opera dopo la morte per appendicite di sua figlia Effie di 9 anni. Qui è ritratta con il suo animale domestico agnello e gattino, contro la casa assicella suo padre costruito nel Massachusetts occidentale. Le figure remote e rigide dell’artista e di sua moglie appaiono in abiti da lutto, anche se il dipinto è stato dato solo il suo titolo decenni più tardi, e non dall’artista. La voce narrante nel poema di Adrienne Rich appartiene alla defunta Effie, unica figlia della coppia. In modo inquietante, paragona le vene della foglia di lillà alla “mano tracciata dal dolore”di suo padre.

1. Immagine di lutto, Adrienne Rich (1965)

Hanno portato la sedia di mogano e il rocker di canna
sotto il cespuglio di lillà,
e mio padre e mia madre siedono oscuramente lì, in abiti neri.
La nostra casa assicella si trova veloce sulla sua collina,
la mia bambola si trova nella sua carrozzina di vimini
guardando Massachusetts occidentale.
Questo era il nostro mondo.
Potrei rifare ogni albero di erba
sentendo la sua raspa sulle mie dita,
disegnare la mappa di ogni foglia lilla
o la rete di vene sulla mano di mio padre
dolore-tranced.

Dalla mia testa, mezzo scoppio,
ancora riempiendo, il sogno si condensa shadows
ombre, cristalli, soffitti, prati, globi di rugiada.
Sotto il verde opaco dei lillà, fuori nella luce
intaglio ogni parlava della carrozzina, il portico trasformato-pilastri,
sotto alte nuvole di inizio estate,
Io sono Effie, visibile e invisibile,
ricordando e ricordato.

Paesaggio con la Caduta di Icaro, Pieter Bruegel il vecchio, 1558

ci vuole un po ‘ per noi individuare le gambe pallide calci nel mare verde a destra della foto, in quanto Bruegel grande dipinto mostra la caduta di Icaro incidentale evento, non l’evento principale di questa scena. Ma l’insignificanza della sofferenza umana per l’universo è davvero il suo tema. L’aratore porta avanti il suo compito, mentre la “nave costosa e delicata”, dopo aver assistito senza dubbio all’incidente, aveva “un posto dove arrivare e navigava tranquillamente.”Anche il poeta imagista William Carlos Williams fu ispirato a scrivere una poesia su questo dipinto, così come un’altra famosa opera di Bruegel inclusa qui (vedi n.3).

2. Musée des Beaux Arts, W. H. Auden (1938)

Sulla sofferenza non hanno mai sbagliato,
I Vecchi Maestri: quanto bene hanno capito
La sua posizione umana; come si svolge
Mentre qualcun altro sta mangiando o l’apertura di una finestra, o semplicemente a piedi debitamente lungo;
Come, quando gli anziani sono con riverenza, con passione in attesa
Per la nascita miracolosa, ci deve sempre essere
i Bambini che non appositamente vuoi che succeda, pattinaggio
In un laghetto a bordo del legno:
non Hanno mai dimenticato
Che anche il terribile martirio deve fare il suo corso
Comunque, in un angolo, alcuni disordine spot
Dove i cani vanno avanti con la loro doggy vita e il torturatore, il cavallo di
Graffi sua innocente dietro a un albero.

Nell’Icaro di Brueghel, per esempio: come tutto ciò che si allontana
Molto piacevole dal disastro; il plowman
Hanno sentito il tonfo, i derelitti, grido,
Ma per lui non era un importante fallimento; il sole brillava di luce
Come era per il bianco gambe sparire nel verde
Acqua; e il costoso e delicato nave che deve aver visto
Qualcosa di incredibile, un ragazzo che cade dal cielo,
Era da qualche parte e navigato tranquillamente su.

Cacciatori nella neve, Pieter Bruegel il Vecchio, 1565

Il dipinto panoramico mozzafiato di Bruegel mostra una scena ambientata nell’inverno più rigido. I cacciatori stanchi del titolo stanno tornando a casa alla fine di una caccia deludente (le ricompense delle loro fatiche, come vediamo, sono scarse, e anche i cani sembrano un po ‘ dispiaciuti per se stessi, anche se la vista espansiva che loro e noi stiamo guardando dall’alto in basso è spettacolare ed edificante). La scena è descritta con notevole parsimonia, il poeta coglie i dettagli che compongono la composizione nel suo insieme, rendendoci consapevoli di “Bruegel il pittore” che riunisce questi elementi con cura e sorprendente.

3. Cacciatori nella Neve, William Carlos Williams (1962)

Il quadro è inverno
montagne ghiacciate
in background il ritorno

la caccia è verso sera
da sinistra
robusto cacciatori di piombo

il loro pack inn-segno
appeso da un
rotto la cerniera è un addio al celibato di un crocifisso,

tra le sue corna freddo
inn cantiere è
deserto, ma per un enorme falò

che si allarga wind-driven curato da
le donne che cluster
su di esso a destra al di là

la collina è un modello di pattinatori
Brueghel il pittore
in questione con tutto deve scelto

un cespuglio colpito dall’inverno per il suo
primo piano per
completare il quadro

Il vecchio chitarrista, Picasso, 1903

Di seguito sono riportati i primi quattro canti di una poesia che si estende di altri 29. La poesia rigorosa e brillante di Stevens riflette sulla natura della realtà e sulla ricerca degli artisti di modificarla profondamente. “Le cose come sono / Sono cambiate sulla chitarra blu”, ci viene detto nel primo canto, e il ritornello “cose come sono” riecheggia come un motivo ricorrente in un pezzo di musica. Stevens è stato enormemente influenzato dal lavoro di artisti modernisti che appiattito e frammentato spazio pittorico. Il suo chitarrista blu è un “shearsman di sorta”.

4. L’uomo con la chitarra blu, Wallace Stevens (1937)

I

L’uomo si chinò sulla sua chitarra,
Una specie di tagliatore. La giornata era verde.
Hanno detto, “Hai una chitarra blu,
Non si gioca le cose come sono.”
L’uomo rispose: “Le cose come sono
Sono cambiate sulla chitarra blu.”
E allora dissero: “Ma suonate, dovete,
Una melodia oltre noi, ma noi stessi,
Una melodia sulla chitarra blu
Delle cose esattamente come sono.”
II
Non posso portare un mondo abbastanza rotondo,
Anche se lo patch come posso.
Canto la testa di un eroe, grande occhio
E bronzo barbuto, ma non un uomo,
Anche se lo patch come posso
E raggiungere attraverso di lui quasi all’uomo.
Se per serenata quasi all’uomo
È quello di perdere, da questo, le cose come sono,
Dire che è la serenata
Di un uomo che suona una chitarra blu.
III
Ah, ma per giocare a uomo numero uno,
Per guidare il pugnale nel suo cuore,
posare il cervello al consiglio
E scegliere l’acre colori,
Al chiodo il suo pensiero attraverso la porta,
le Sue ali aperte per la pioggia e la neve,
Per colpire la sua vita ciao bella,
A spuntarlo, tock, trasformarla vero,
Per bang se forma un selvaggio blu,
Tintinnio metallico delle corde…
IV
Così è la vita, quindi: le cose come stanno?
Prende la sua strada sulla chitarra blu.
Un milione di persone su una corda?
E tutte le loro maniere nella cosa
E tutte le loro maniere, giuste e sbagliate,
E tutte le loro maniere, deboli e forti?
I sentimenti follemente, astutamente chiamano,
Come un ronzio di mosche nell’aria autunnale,
E questa è la vita, quindi: le cose come sono,
Questo bussing della chitarra blu.

Autoritratto all’età di 63 anni, Rembrandt, 1669

Molte delle poesie di Elizabeth Jennings sono risposte dirette ai dipinti; potresti scegliere tra una piscina prolifica che ci porta da Mantegna a Mondrian. Qui parla della bruciante e poco lusinghiera onestà degli ultimi autoritratti di Rembrandt-“La cura del tuo pennello / Corre con la conoscenza di sé” – che, attraverso la rappresentazione inflessibile dei crudeli cambiamenti della natura, aiutano a disinvestirci “dalla paura della morte.”

5. Autoritratti tardivi di Rembrandt, Elizabeth Jennings (1975)

Ti trovi di fronte a te stesso. Ogni anno
I sacchetti si riempiono, la pelle è più brutta.
Si dà tutto inflessibilmente. Si guarda
In te stesso, al di là. La cura del pennello
Corre con la conoscenza di sé. Qui
È un umiltà in uno con mestiere.
Non c’è arroganza. L’orgoglio è a parte
Da questo auto-esame. Si fanno deriva luce
Il modo in cui si desidera. Il tuo volto è contuso e ferito
Ma c’è ancora amore a sinistra.
Amore per l’arte e gli altri. Per l’ultimo
Esperimento è andato avanti. Si fissava al di là
La tua età, i tempi. È anche colto il passato
E temperato. Autoritratti capire,
E la vecchiaia può disinvestire,
Con cambiamenti veritieri, noi della paura della morte.
Guarda, una nuova angoscia. Lì, il naso gonfio,
La tristezza e la gioia. Dipingere per respirare,
E tutte le tenebre sono osate. Hai scelto
Ciò che ciascuno deve fare i conti con.

Continua sul retro: Anne Sexton, Sylvia Plath, X. J Kennedy, Allen Ginsberg e George Szirtes

La Notte Stellata di Van Gogh, 1889

Van Gogh pittura trasmette un senso di furioso moto e un’atmosfera di serenità: le stelle scintillano in un cielo turbolento, la città di sotto, la cui esistenza Sexton nega, in prima linea, appare calmo e vuoto. Sexton, che si suicidò nel 1974, desidera ardentemente l’oblio della morte, come se la morte non fosse altro che scomparire “in quella bestia impetuosa della notte / risucchiata da quel grande drago verde”. Il poema non è tanto un ululato di dolore, ma piuttosto un’espressione urgente di un desiderio divorante-il desiderio irrefrenabile di essere sopraffatto da una forza più grande di se stessi.

6. La notte stellata, Anne Sexton (1961)

La città non esiste
tranne dove un albero dai capelli neri scivola
come una donna annegata nel cielo caldo.
La città è silenziosa. La notte bolle con undici stelle.
Oh notte stellata stellata! Questo è come
Voglio morire.

Si muove. Sono tutti vivi.
Anche la luna si gonfia nei suoi ferri arancioni
per spingere i bambini, come un dio, dal suo occhio.
Il vecchio serpente invisibile inghiotte le stelle.
Oh notte stellata stellata! Ecco come
Voglio morire:

in quella bestia impetuosa della notte,
risucchiata da quel grande drago, per dividere
dalla mia vita senza bandiera,
senza pancia,
senza piangere.

Le muse inquietanti, de Chirico, 1918

Lo stato d’animo inquietante della pittura di De Chirico non è solo abbinato ma accresciuto nel poema inquietante di Sylvia Plath in cui immagina la sua infanzia ossessionata da tre muse senza volto, che ricordano i Tre destini della mitologia classica, così come altri trii di donne sinistre del mito e della letteratura. Con i loro terrificanti volti vuoti, “vegliano” su di lei, le loro strane figure, come la pittura di de Chirico, gettano le loro lunghe ombre “nel sole al tramonto / Che non illumina o non tramonta mai”.

7. Le Muse inquietanti, Sylvia Plath (1957)

Madre, madre, quale zia maleducata
O quale Cugina sfigurata e sgradevole
hai tenuto così incautamente
Non Richiesto al mio battesimo, che lei
Ha mandato queste signore al suo posto
Con teste come uova da rammendo per annuire
E annuire e annuire ai piedi e alla testa
E sul lato sinistro della mia culla?

Madre, che ha fatto su ordinazione storie
Di Mixie Blackshort l’orso eroico,
Madre, le cui streghe sempre, sempre,
Sono state cotte nel pan di zenzero, mi chiedo
Se le hai viste, se hai detto
Parole per liberarmi di quelle tre signore
Annuendo di notte intorno al mio letto,
Senza bocca, senza occhi, con la testa calva cucita.

Nell’uragano, quando le dodici finestre di studio del padre si sono gonfiate come bolle in procinto di rompersi, hai nutrito
Mio fratello e me biscotti e Ovaltine
E hai aiutato noi due a cantare:
“Thor è arrabbiato: boom boom boom!
Thor è arrabbiato: non ci interessa!”
Ma quelle signore hanno rotto i vetri.

Quando in punta di piedi le studentesse ballato,
Lampeggiante torce come lucciole
E cantando le glowworm canzone, ho potuto
Non sollevare un piede nella twinkle-dress
Ma, pesanti zampe, si fece da parte
Nell’ombra proiettata dalla mia triste di testa
Madrine, e si gridò e gridò:
E l’ombra allungata, le luci si spensero.

Madre, mi hai mandato a lezioni di pianoforte
E lodato i miei arabeschi e trilli
Anche se ogni insegnante ha trovato il mio tocco
Stranamente di legno a dispetto di scale
E le ore di pratica, il mio orecchio
Tono sordo e sì, unteachable.
Ho imparato, ho imparato, ho imparato altrove,
Dalle muse non guidate da te, cara madre

Mi sono svegliato un giorno per vederti, madre,
Fluttuare sopra di me nell’aria più blu
Su un palloncino verde luminoso con un milione di
Fiori e uccelli blu che non sono mai stati
Mai, mai, trovati da nessuna parte.
Ma il piccolo pianeta rimbalzò via
Come una bolla di sapone come hai chiamato: Vieni qui!
E ho affrontato i miei compagni di viaggio.,

Giorno ora, notte ora, a capo, lato, piedi,
Stanno la loro veglia in abiti di pietra,
Volti vuoti come il giorno in cui sono nato,
Le loro ombre lunghe nel sole al tramonto
Che non illumina mai o scende.
E questo è il regno a cui mi hai portato,
Madre, madre. Ma nessun mio cipiglio tradirà la compagnia che tengo.

Nude Descending a Staircase, Duchamp, 1912

Il Nudo Descending a Staircase di Duchamp fu mostrato al famoso Armory Show del 1913 a New York, dove naturalmente causò scalpore. A quel punto il padre dell’arte concettuale aveva decisamente respinto quella che definiva sprezzantemente “arte retinica” e nello stesso anno produsse Bicycle Wheel, la sua prima opera d’arte cinetica pronta e prima al mondo. X. J. Kennedy cattura il movimento meccanicistico e sconsiderato della figura -” Una costante trebbiatura della coscia sulla coscia.”

8. Nudo scendendo una scala, X. J. Kennedy (1961)

Punta su punta, una carne che nevica,
Un oro di limone, radice e scorza,
Lei setaccia alla luce del sole giù per le scale
Con niente addosso. Né sulla sua mente.

Spiamo sotto la ringhiera
Una costante trebbia di coscia su coscia Le sue labbra imprimono l’aria oscillante
Che le parti lasciano passare le sue parti.

Cascata di una donna, indossa
La sua discesa lenta come un lungo mantello
E fermandosi, sulla scala finale
Raccoglie i suoi movimenti in forma.

L’Estaque, Cézanne, 1883

Cézanne dipinse circa 20 vedute di L’Estaque, un villaggio di pescatori a ovest di Marsiglia. Questi mostrano il cambiamento delle stagioni e i modelli di spostamento della luce in diversi momenti della giornata. Tuttavia, l’artista si sforzò di raggiungere un senso di monumentalità senza tempo che sentiva mancare dal lavoro degli impressionisti. Qui Allen Ginsberg guarda oltre ciò che crede che la pittura semplicemente descrive e verso una realtà trascendente che “non si verifica sulla tela”. Al di là della baia, e lontano dal primo piano dove troviamo “il tempo e la vita / spazzato in una corsa”, è, egli dice “Il Cielo e l’eternità”.

9. I porti di Cézanne, Allen Ginsberg (1950)

In primo piano vediamo il tempo e la vita
spazzati in una corsa
verso il lato sinistro dell’immagine
dove shore incontra shore.

Ma quel luogo di incontro
non è rappresentato;
non si verifica sulla tela.

Per l’altro lato della baia
è il cielo e l’eternità,
con una foschia bianca desolante sulle sue montagne.

E l’immensa acqua di L’Estaque è una via di mezzo
per barche a remi minuti.

Diana e Atteone, Tiziano, 1556-59

Il dipinto di Tiziano raffigura una scena tra Diana e Atteone dalle Metamorfosi di Ovidio. Mostra il momento della scoperta accidentale mentre Atteone, dopo una giornata di caccia, spia la nuda Diana che si bagna con le sue ninfe. Atteone viene subito trasformato in cervo e viene inseguito e ucciso dai suoi stessi cani, che non lo riconoscono. Il poema di Szirties inizia con una citazione dell’Elegia XX di Donne (Dalla sua amante che va a letto): “O My America, My Terranova”, un gioco allettante sulla scoperta e la conquista sessuale. Il poema è raccontato dal punto di vista di Atteone, con Diana che assume un ruolo strano e un po ‘ sinistro – “tu, bevendo / acqua notturna” si legge come un’accusa dalla bocca di uno ingiustamente offeso ma ammettendo il suo desiderio lo stesso.

10. Atteone, George Szirtes (2012)

O, la mia America, il mio Terranova
John Donne, “Elegia 20”

O, la mia America, scoperto da chance,
dietro, come sembrava, una linea di lavaggio
ho messo da parte senza pensare –
non desidera avere pensieri o definire
il suo oggetto, consumare tutti in un colpo d’occhio?

Tu, con la tua carne che affonda su se stessa in atteggiamenti di dolore,
mentre i cani alle mie calcagna
ringhiano alla strana camicia rossa
sotto una luna cornuta, tu, bevendo

acqua notturna – dimmi cosa ruba l’occhio
o prende in prestito. Cosa non possiamo lasciar andare
senza protesta? Il mio corpo si trasforma
contro di me come sento crescere
contrario. Qualunque sia la notte rivela

è pericolosamente dentata. E così il corpo brucia
come se lacerato da pura profusione di pelle
e piangere. Indossa il suo vestito stracciato
come qualcosa in cui una volta ha trovato conforto,
il tipo di comfort che anche un cane impara

dal profumo. Così la carne cade via, sempre meno
umana, come il desiderio stesso, anche se il dolore
si registra ancora nel terribile equilibrio
la mente sembra così riluttante a trattenere,
o, la mia America, la mia nudità!

Fisun Guner su Twitter