Redaktørens notat: Harvard Initiative For Learning and Teaching (HILT) conference i Mai i Fjor ba deltakerne om å tenke på følgende innramming spørsmål: «I denne tiden av avbrudd og innovasjon for universiteter, hva er det vesentlige av god undervisning og læring? På konferansen, etter at et panel av psykologer hadde diskutert aspekter av «vitenskapen om læring», tre høyttalere adressert » kunst av undervisning— – blant dem da professor I kunsthistorie Og arkitektur Jennifer L. Roberts (Nå Elizabeth Cary Agassiz professor i humaniora), som også leder doktorgradsprogrammet I Amerikanske Studier. Hun bekjente begrenset eksponering for utdanningsteori, og fortsatte deretter å gi en levende demonstrasjon av dyp humanistisk utdanning og læring, hentet fra sin egen undervisning i kunsthistorien, men med bredere applikasjoner. Selv om hun gjør bred bruk av digital teknologi i sin undervisning, føler hun at det også er viktig å gi studentene erfaring i moduser av oppmerksomme disiplin som går direkte i strid med høyhastighets, teknologisk assistert pedagogikk dukker opp i den digitale tidsalder – og til erfaringer og forventninger til moderne studenter. Roberts tilpasset følgende tekst fra HENNES HILT presentasjon.jeg er ikke sikker på at det er noe slikt som undervisning generelt, eller at det virkelig er noen viktig undervisningsstrategi som kan abstraheres fra de ulike sammenhenger der den praktiseres. For at vi ikke skal miste den disiplinære strukturen som definerer all undervisning av syne, vil jeg i dag komme med mine kommentarer i sammenheng med kunsthistorie—og i en form som av og til vil føles som en kunsthistorisk leksjon.

I løpet av de siste årene har jeg begynt å føle at jeg må ta en mer aktiv rolle i å forme studentenes timelige opplevelser i kursene mine; at I prosessen med å designe et pensum trenger jeg ikke bare å velge avlesninger, velge emner og organisere materialsekvensen, men også å konstruere, på en samvittighetsfull og eksplisitt måte, tempoet og tempoet i læringsopplevelsene. Når skal studentene jobbe raskt? Når sakte? Når vil de forventes å tilby spontane svar, og når vil de forventes å tilbringe tid i dypere kontemplasjon?jeg vil i dag fokusere på den langsomme enden av dette tempospekteret, på å skape muligheter for studenter til å engasjere seg i retardasjon, tålmodighet og oppslukende oppmerksomhet. Jeg vil hevde at dette er den typen praksis som nå mest trenger å bli aktivt konstruert av fakultetet, fordi de ganske enkelt ikke lenger er tilgjengelige «i naturen», som det var. Hvert eksternt press, sosialt og teknologisk, presser elevene i den andre retningen, mot umiddelbarhet, hurtighet og spontanitet-og mot denne andre typen mulighet. Jeg vil gi dem tillatelse og strukturer til å bremse ned.I alle mine kunsthistoriske kurs, utdannet og bachelor, forventes hver student å skrive et intensivt forskningspapir basert på et enkelt kunstverk av eget valg. Og det første jeg ber dem om å gjøre i forskningsprosessen er å bruke en smertelig lang tid på å se på det objektet. Si en student ønsket å utforske arbeidet populært kjent som Boy with A Squirrel, malt i Boston i 1765 av den unge kunstneren John Singleton Copley. Før du gjør noen undersøkelser i bøker eller på nettet, vil studenten først forventes å gå Til Museum Of Fine Arts, hvor det henger, og tilbringe tre hele timer å se på maleriet, notere ned hans eller hennes utviklende observasjoner samt spørsmål og spekulasjoner som oppstår fra disse observasjonene. Tidsperioden er eksplisitt utformet for å virke overdreven. Også avgjørende for øvelsen er museet eller arkiv innstilling, som fjerner studenten fra hans eller hennes hverdagslige omgivelser og distraksjoner.

i begynnelsen motstår mange av studentene å bli utsatt for en slik utbedringsøvelse. Hvordan kan det muligens være tre timer med hendelse og informasjon på denne lille overflaten? Hvordan kan det muligens være tre timers verdi av ting å se og tenke på i et enkelt kunstverk? Men etter å ha gjort oppdraget, elevene gjentatte ganger fortelle meg at de har blitt forbauset av potensialene denne prosessen ulåst.

det antas vanligvis at visjonen er umiddelbar. Det virker direkte, ukomplisert og øyeblikkelig – derfor har det uten tvil blitt mesterfølelsen for levering av informasjon i den moderne teknologiske verden. Men hva elevene lærer på en visceral måte i denne oppgaven er at i ethvert kunstverk er det detaljer og ordrer og relasjoner som tar tid å oppleve. Jeg gjorde denne tre timers øvelsen selv på dette maleriet som forberedelse til min egen forskning På Copley. Og det tok meg lang tid å se noen av de viktigste detaljene som etter hvert ble sentrale for min tolkning og mitt publiserte arbeid på maleriet.

Bare noen få eksempler fra den første timen av mitt eget eksperiment: Det tok meg ni minutter å legge merke til at formen på guttens øre nøyaktig ekko det av ruffen langs ekornets mage-og At Copley gjorde en slags forbindelse mellom dyret og menneskekroppen og den sensoriske kapasiteten til hver. Det var 21 minutter før jeg registrerte det faktum at fingrene som holder kjeden nøyaktig spenner over diameteren av vannglasset under dem. Det tok en god 45 minutter før jeg innså at de tilsynelatende tilfeldige folder og rynker i bakgrunnen gardin er faktisk perfekte kopier av figurer av guttens øre og øye, som Om Copley hadde forestilt seg disse sanseorganer distribuere eller imprinting seg på overflaten bak ham. Og så videre.

hva denne øvelsen viser elevene er at bare fordi du har sett på noe, betyr det ikke at du har sett det. Bare fordi noe er tilgjengelig umiddelbart til visjon betyr ikke at det er tilgjengelig umiddelbart til bevissthet. Eller, i litt mer generelle termer: tilgang er ikke synonymt med læring. Det som gjør tilgang til læring er tid og strategisk tålmodighet.Kunsthistorikeren David Joselit har beskrevet malerier som dype reservoarer av timelig erfaring— «tidsbatterier—-» ublu lagre » av erfaring og informasjon. Jeg vil foreslå at det samme gjelder for alt en student kanskje vil studere Ved Harvard University—en stjerne, en sonnet, et kromosom. Det er uendelige dybder av informasjon når som helst i studentenes utdanning. De trenger bare å ta seg tid til å låse opp den rikdommen. Og det er derfor, for meg, denne leksjonen om kunst, visjon og tid går langt utover kunsthistorien. Det fungerer som en mesterleksjon i verdien av kritisk oppmerksomhet, pasientundersøkelse og skepsis om umiddelbare overflateopptredener. Jeg kan tenke på få ferdigheter som er viktigere i akademisk eller samfunnsliv i det tjueførste århundre.Retardasjon er da en produktiv prosess, en form for dyktig frykt som kan orientere elevene på kritiske måter til den moderne verden. Men jeg vil også hevde at det er en viktig ferdighet for forståelsen og tolkningen av den historiske verden. Nå skal vi gå inn i kunsthistorieleksjonen, som er en leksjon om de formative kreftene til forsinkelse i verdenshistorien.

Jeg har valgt Copleys arbeid for å diskutere i dag fordi det faktisk har en betydelig pedagogisk resonans. Det er egentlig et eksempel på attende århundre fjernundervisning. I 1765 gjorde Copley det veldig bra som Den beste portrettmaleren I Nord-Amerika. Men han følte seg strandet i Bakevje koloni Av Boston, tusenvis av miles unna nærmeste kunstakademi. Han var helt klart en talentfull maler, men han hadde vært mest selvlært, og han lengtet etter å ha en sjanse til å lære av maleriet superstjerner i academic center Of London. Så han bestemte seg for å prøve å åpne opp en korrespondanse kurs slags. Og for å begynne den korrespondansen malte han dette bildet, pakket det opp i en kasse, gikk ned Til Boston Harbor, satte det på et skip, gikk tilbake til sitt studio og ventet på å se hva slags tilbakemelding han kunne få om sitt arbeid Fra London.

Han måtte vente veldig lenge.det tok omtrent en måned for maleriet å gjøre krysset Til London, og så ble det sittende fast i flere uker i tollen, og så ventet det noen uker før det kunne gå på utstilling, og så skrev En venn Av Copley et brev til Ham med noen av de tingene han hadde hørt akademikerne si. Han ventet lenge med å sende den, og da tok det nesten åtte uker (seiler nå mot strømmen) å komme tilbake til Boston på et annet skip. Alt i alt, det var ca 11 måneder Før Copley var i stand til å åpne sin venns brev og lære at malere I London trodde hans arbeid var generelt fantastisk, men at det led av å være ganske «for liney»—og At Copley kan vurdere å korrigere den feilen. Copley var usikker på nøyaktig hva det betydde, og sendt et annet brev ber sin venn til å spørre videre inn i saken. Dette ble typisk for hans langdistanseutdanning.

nå er folkene i dette rommet som har erfaring med pedagogisk tilbakemeldingsteori, sannsynligvis forferdet. Faktisk, når det gjelder pedagogisk vitenskap, ville dette agonizingly sakte responstempoet bli identifisert, tror jeg, som «ikke-formativ» tilbakemelding. Og likevel vil jeg foreslå at langsomhet ikke nødvendigvis er «ikke-formativ» —faktisk, når det gjelder dette maleriet, er det grundig formativt. La meg være klart at jeg ikke argumenterer for at vi skal vente 11 måneder for å returnere papirer. Jeg snakker på en mer generell måte om behovet for å forstå at forsinkelser ikke bare er inerte hindringer som hindrer produktivitet. Forsinkelser kan selv være produktive.

vi kan se dette direkte i maleriet, som er fullt av hentydninger til tid, avstand og tålmodighet. Maleriet handler om sin egen pasientpassasje gjennom tid og rom. Se på det ekornet. Som den merkelige formen på magen pels indikerer, hvis man tar tid å legge merke til det, dette er ikke bare noen ekorn, men en flygende ekorn, en art innfødt Til Nord-Amerika med åpenbare tematiske resonanser for temaet reise og bevegelse. (Bokens fulle tittel Er En Gutt med Et Flyvende Ekorn. Videre ble ekorn i maleri og litteratur vanligvis forstått som emblemer av flid og tålmodighet. Deretter: glasset med vann og hånden. Gjennom sin lange karriere er Dette Det eneste glasset Vann Som Copley noensinne har tatt med i et maleri. Hvorfor? Vel, for det første fremkaller dette motivet passasjen av en sensorisk kjede over en vannkilde og presenterer dermed i mikrokosmos situasjonen eller oppgaven til maleriet selv. Eller tenk på profilformatet til portretet-uvanlig For Copley. Det viser seg at i det attende århundre var profilformatet veldig sterkt forbundet med utholdenhet i tid og rom. Hvor var en mest sannsynlig å se en profil? På en mynt. Hva er en mynt? I hovedsak er en mynt et verktøy for å overføre verdi gjennom rom og tid på den mest stabile mulige måten. Mynter er teknologier for å spanne tid og avstand, Og Copley låner fra disse foreningene for et maleri som forsøker å gjøre det samme.Copleys maleri, med andre ord, er en utførelsesform av forsinkelsene som Den ble opprettet for å tåle. Hvis Copley hadde hatt umiddelbar tilgang til sine instruktører i London, hvis det hadde vært et edX-kurs gitt Av Royal Academy, ville han ikke vært tvunget til å male slik han gjorde. Endring av tempoet i utvekslingen ville ha endret form og innhold i utvekslingen. Dette bestemte maleriet ville ganske enkelt ikke eksistere. Dette maleriet er dannet ut av forsinkelse, ikke på tross av det.Og dette er faktisk en leksjon med mye bredere implikasjoner for alle som er involvert i undervisning eller læring av historien. I tusenvis av år med menneskelig historie som gikk forut for vårt nåværende øyeblikk av øyeblikkelig kommunikasjon, ble selve stoffet av menneskelig forståelse vevd til en viss grad ut av forsinkelse, forsinkelse, venter. Alle objekter ble laget av langsom tid på den måten Copleys maleri konkretiserer sin egen forsinkelsessituasjon. Jeg tror at hvis vi ønsker å lære historien ansvarlig, må vi gi studentene en mulighet til å forstå formative verdier av tid og forsinkelse. Undervisningen i historien har lenge vært forstått som å lære elevene å forestille seg andre tider; nå krever det også at de forstår forskjellige temporaliteter. Så tiden er ikke bare en negativ plass, en passiv pause som skal overvinnes. Det er en produktiv eller formativ kraft i seg selv.

Gitt alt dette, vil jeg konkludere med noen tanker om å lære tålmodighet som en strategi. Bevisst engasjement av forsinkelse bør i seg selv være en primær ferdighet som vi lærer til studenter. Det er en veldig gammel ide at tålmodighet fører til ferdighet, selvfølgelig-men det virker presserende nå at vi går lenger enn dette og tenker på tålmodighet selv som ferdigheten som skal læres. Gitt-tålmodighet kan være en ganske vanskelig selge som en pedagogisk levering. Det høres nostalgisk og gratuitously tradisjonelt. Men jeg vil hevde at ettersom tidens form har endret seg rundt det, har betydningen av tålmodighet i dag reversert seg fra sine opprinnelige konnotasjoner. Dyden til tålmodighet var opprinnelig forbundet med overbærenhet eller lidelse. Det handlet om å tilpasse seg behovet for å vente på ting. Men nå som man generelt ikke trenger å vente på ting, blir tålmodighet en aktiv og positiv kognitiv tilstand. Hvor tålmodighet en gang indikerte mangel på kontroll, er det nå en form for kontroll over tempoet i det moderne liv som ellers styrer oss. Tålmodighet betyr ikke lenger disempowerment – kanskje nå tålmodighet er makt.Hvis «tålmodighet» høres for gammeldags ut, la oss kalle det » time management «eller» temporal intelligence «eller» massive temporal distortion engineering.»Uansett, en bevissthet om tid og tålmodighet som et produktivt medium for læring er noe jeg føler er presserende å modellere for—og forventer av—elevene mine.