Poezja zawsze inspirowała artystów. Metamorfozy Owidiusza i Boska komedia Dantego to dwie najbardziej trwałe. I zgodnie z Art Everywhere, o którym powiem niewiele tutaj, ale pisałem o innym miejscu (patrz pasek boczny), ulubiony obraz narodu jest inspirowany nowszym wierszem: JW Waterhouse ’ s The Lady of Shalott pokazuje nieszczęśliwą bohaterkę słynnego wersetu Tennysona, poruszającą się nieubłaganie w kierunku jej wodnistej śmierci „jak jakiś odważny Jasnowidz w transie”. Drugim faworytem jest, nawiasem mówiąc, kolejna narracyjna ilustracja nieszczęsnej bohaterki na miejscu spotkania z jej wodnym losem-Ofelia Millais.

Epoka wiktoriańska była ostatnim wielkim hukiem dzieł sztuki inspirowanych literaturą i była zdecydowanie gotycka w smaku. XX wieku nastąpił jednak upadek malarstwa narracyjnego, a ilustracje z mitów i literatury wyszły z mody.

Malarze byli nadal pod wpływem literatury, oczywiście, ale wpływ ten, z kilkoma godnymi uwagi wyjątkami, odgrywał się w bardziej abstrakcyjny, mglisty sposób. Zamiast tego znajdujemy decydującą zmianę-to pisarze coraz częściej zwracają się do dzieł malarzy i rzeźbiarzy. Poeci spojrzeli na kanon historyczny-nie włączyłem go tutaj, ale z pewnością Grobowiec Arundela Larkina jest największym powojennym poematem inspirowanym jednym dziełem sztuki. Ale częściej Modernistyczni poeci, szczególnie w Ameryce, szukali inspiracji dla modernistycznych artystów.

konserwatysta Larkin nie był fanem modernizmu, dostrzegając brzydotę i destrukcję w swoich metodach. Jednak dla wielu innych pisarzy Modernizm w sztukach wizualnych pojawił się w postaci przemocy. Podobnie jak artyści wizualni XX wieku, pisarze nie przedstawiali już okna na świat, jakie pojawiało się od renesansu, ale oczywiście przefiltrowane i zmienione przez wyobraźnię w zaskakujący sposób. Cytując Wallace ’ a Stevensa (nr 4), w odpowiedzi na „The Old Guitarist” Picassa, ” Things as they are / Are changed on the blue guitar.”

poniżej, odpowiadając na Stare i współczesne obrazy, wybrałem dziewięć wierszy XX-wiecznych i jeden XXI-wieczny. Wiersze ilustrowane są obrazami, które bezpośrednio inspirowały ich myśli.

Obraz żałobny (obraz główny), Edwin Romanzo Elmer, 1890

mało znany amerykański artysta Edwin Ramanzo Elmer namalował to dziwne i aresztujące dzieło po śmierci na zapalenie wyrostka robaczkowego swojej 9-letniej córki Effie. Tutaj jest przedstawiana ze swoją owieczką i kotkiem, na tle domu, który jej ojciec zbudował w zachodnim Massachusetts. Odległe i sztywne postacie artysty i jego żony pojawiają się w żałobnych ubraniach, chociaż obraz otrzymał tytuł dopiero kilkadziesiąt lat później, a nie przez artystę. Głos narracyjny w wierszu Adrienne Rich należy do zmarłej Effie, jedynaczki pary. Upiornie porównuje żyły liścia bzu do „smutnej dłoni ojca”.

1. Obraz żałobny, Adrienne Rich (1965)

nosili mahoniowe krzesło i kołyskę z trzciny
pod liliowym krzakiem,
a mój ojciec i matka ciemno tam siedzą, w czarnych ubraniach.
Our clapboard house stands fast on its hill,
my doll lies in her wicker pram
looking at western Massachusetts.
To był nasz świat.
mógłbym przerobić każdy trzon trawy
czując jej zgrzyt na palcach,
narysować mapę każdego liścia liścia
lub sieć żył na dłoni mojego ojca
.

Out of My head, half-bursting,
still filling, the dream condenses–
cienie, kryształy, sufity, łąki, globes of dew.
pod matową zielenią bzu, w świetle
rzeźbiąc każdy mówił o wózku, zwróconych filarach ganku,
pod wysokimi wczesno-letnimi chmurami,
jestem Effie, widzialny i niewidzialny,
pamiętając i pamiętając.

Pejzaż z upadkiem Ikara, Pieter Bruegel starszy, 1558

trochę czasu zajmuje nam dostrzeżenie bladych nóg kopiących w zielonym morzu po prawej stronie obrazu, ponieważ wielki obraz Bruegla pokazuje upadek Ikara jako incydentalne Zdarzenie, a nie główne wydarzenie tej sceny. Ale nieistotność ludzkiego cierpienia dla wszechświata jest rzeczywiście jego tematem. Pług wykonuje swoje zadanie, podczas gdy „drogi, delikatny statek”, bez wątpienia będąc świadkiem zdarzenia, miał ” gdzie się dostać i płynął spokojnie dalej.”Imagistyczny poeta William Carlos Williams był również zainspirowany do napisania Poematu o tym obrazie, a także innego słynnego dzieła Bruegla zawartego tutaj (patrz nr 3).

2. Musée des Beaux Arts, W. H. Auden (1938)

o cierpieniu nigdy się nie mylili,
starzy mistrzowie: jak dobrze zrozumieli
jego ludzką pozycję; jak to się dzieje, gdy ktoś inny je lub otwiera okno lub po prostu chodzi po dnie;
Jak, gdy starzy z szacunkiem, namiętnie czekają
na cudowne narodziny, zawsze muszą być
dzieci, które specjalnie nie chciały, jeżdżąc na łyżwach na stawie na skraju lasu:
nigdy nie zapomnieli
że nawet straszne męczeństwo musi przebiegać swoim biegiem
i tak w kącie, w jakimś niechlujnym miejscu
gdzie psy idą swoim psim życiem, a oprawca ich nie ma.
koń
drapie niewinnego za drzewem.

na przykład w Ikarze Brueghela: jak wszystko odwraca się od katastrofy całkiem spokojnie; Oracz mógł słyszeć plusk, płacz porzuconych, ale dla niego nie była to ważna porażka; słońce świeciło tak, jak miało to miejsce na białych nogach znikających w zielonej wodzie; i drogi delikatny statek, który musiał widzieć coś niesamowitego, chłopiec spadający z nieba,
miał gdzie się dostać i płynął spokojnie.

Hunters in the Snow, Pieter Bruegel The Elder, 1565

zapierający dech w piersiach obraz panoramiczny Bruegla przedstawia scenę rozgrywającą się w najtrudniejszej zimie. Znużeni tytułowi myśliwi wracają do domu pod koniec rozczarowującego polowania (nagrody za ich pracę, jak widzimy, są skromne, a nawet psy wyglądają trochę żałośnie, chociaż rozległy widok, na który oni i my patrzymy z góry, jest spektakularny i podnoszący na duchu). Scena opisana jest z uderzającą przenikliwością, poeta wyłapuje szczegóły, które składają się na całość kompozycji, uświadamia nam, że „Bruegel the painter” starannie i uderzająco łączy te elementy.

3. Łowcy w śniegu, William Carlos Williams (1962)

nad wszystkim obraz jest zima
góry lodowe
w tle powrót

z polowania jest ku wieczorowi
od lewej
sturdy hunters lead in

ich wataha the inn-sign
wisi na
złamany zawias to jeleń krucyfiks

między jego porożami the cold
zajazd yard is
opustoszały, ale na ogromne ognisko

, które rozbłyska wiatrem napędzanym przez
kobiety, które skupiają się
o tym w prawo za

wzgórze jest wzorem łyżwiarzy
Brueghel malarz
zaniepokojony tym wszystkim ma wybrany

zimowy krzak dla swojego
pierwszego planu, aby
uzupełnić obraz

Stary gitarzysta, Picasso, 1903

Poniżej znajdują się pierwsze cztery kantony wiersza, które rozciągają się o kolejne 29. Rygorystyczny i błyskotliwy wiersz Stevensa rozważa naturę rzeczywistości i dążenie artystów do głębokiej jej zmiany. „Things as they are / Are changed on the blue guitar”, mówi się w pierwszym canto, a refren „things as they are” odbija się echem jak powracający motyw w utworze muzycznym. Stevens był pod ogromnym wpływem twórczości modernistycznych artystów, którzy spłaszczali i fragmentaryzowali obrazową przestrzeń. Jego Niebieski gitarzysta jest „shearsman of kinds”.

4. The Man with The Blue Guitar, Wallace Stevens (1937)

I

the man bend over his guitar,
a shearsman of sort. Dzień był zielony.
powiedzieli: „masz niebieską gitarę,
nie grasz rzeczy takimi, jakie są.”
mężczyzna odpowiedział: „rzeczy, jakie są, zmieniają się na niebieskiej gitarze.”
i powiedzieli wtedy: „ale graj, musisz,
melodię poza nami, ale my sami,
melodię na niebieskiej gitarze
rzeczy dokładnie takich, jakie są.”
II
nie mogę sprowadzić świata całkiem okrągłego,
chociaż łatam go jak Mogę.
śpiewam głowę bohatera, duże oko i brodaty brąz, ale nie człowieka,
chociaż łatam go jak Mogę
i sięgam przez niego prawie do człowieka.
Jeśli Serenada prawie do człowieka
jest tęsknieniem, przez to rzeczy takimi, jakie są,
powiedz, że jest to Serenada mężczyzny, który gra na niebieskiej gitarze.
III
Ah, But to play Man number one,
to drive the dagger in his heart,
to lay his brain on the board
And pick the acrid colors out,
to gwoździ his thought across the door,
its wings spread wide to rain and snow,
to strike his living hi and ho,
to tick it, tock it, turn it true,
to bang if form a savage blue,
Jangling the metal of the strings…
IV
więc takie jest życie, czyli takie jakie jest?
wybiera się na niebieską gitarę.
milion ludzi na jednej strunie?
i wszystkie ich maniery w rzeczy
i wszystkie ich maniery, dobre i złe,
i wszystkie ich maniery, słabe i silne?
uczucia szalenie, przebiegle wołają,
jak brzęczenie much w jesiennym powietrzu,
I takie jest życie, wtedy: rzeczy jakie są,
to brzęczenie niebieskiej gitary.

Autoportret w wieku 63 lat, Rembrandt, 1669

wiele wierszy Elizabeth Jennings jest bezpośrednią odpowiedzią na obrazy; można wybrać z płodnego basenu, który prowadzi nas od Mantegny do Mondriana. Tutaj mówi o piekącej i niepochlebnej szczerości późnych autoportretów Rembrandta – „Opieka twojego pędzla / biegnie z samowiedzą” – które poprzez bezkompromisowe przedstawienie okrutnych zmian natury pomagają pozbyć się nas ” strachu przed śmiercią.”

5. Rembrandt ’ s Late Autoportrets, Elizabeth Jennings (1975)

konfrontujesz się z samym sobą. Każdego roku
torebki wypełniają się, skóra jest brzydsza.
dajesz to wszystko niezachwianie. Wpatrujesz się
w siebie, poza siebie. Pielęgnacja twojego pędzla
przebiega z samopoznaniem. Tutaj
jest pokora w jednym z rzemiosł.
nie ma arogancji. Duma jest oddzielona
od tej samokontroli. You make light drift
The way you want. Twoja twarz jest posiniaczona i zraniona
ale wciąż jest miłość.
Miłość do sztuki i innych. Do ostatniego
eksperymentu. Patrzyłeś poza
swój wiek, czasy. Wyrwałeś też przeszłość
i ją temperowałeś. Autoportrety rozumieją,
a starość może pozbyć się,
z prawdziwymi zmianami, nas ze strachu przed śmiercią.
Zobacz, Nowa udręka. Tam, wzdęty nos,
smutek i radość. Malować to oddychać,
i wszystkie mroki są ośmielone. Wybrałeś
to z czym każdy musi się liczyć.

kontynuacja na odwrocie: Anne Sexton, Sylvia Plath, X. J Kennedy, Allen Ginsberg i George Szirtes

the Starry Night, Van Gogh, 1889

obraz Van Gogha Przekazuje zarówno poczucie wściekłego ruchu, jak i atmosferę spokoju: Gwiazdy promieniują na burzliwym niebie, a miasto poniżej, którego istnienie Sexton neguje w pierwszej linii, wydaje się spokojne i puste. Sexton, który popełnił samobójstwo w 1974 roku, tęskni za zapomnieniem śmierci, tak jakby śmierć miała zniknąć „w tej pędzącej bestii nocy / wessanej przez tego wielkiego Zielonego Smoka”. Wiersz nie jest tak bardzo wyciem bólu,ale raczej pilnym wyrażeniem wszechogarniającego pragnienia-niepohamowanego pragnienia pokonania przez siłę większą od siebie.

6. The Starry Night, Anne Sexton (1961)

the town does not exist
except where one black-haired tree slips
up like a topioned woman into the hot sky.
miasto milczy. Noc wrze z jedenastoma gwiazdami.
Oh starry starry night! Tak
chcę umrzeć.

porusza się. Wszyscy żyją.
nawet księżyc wybrzmiewa w swoich pomarańczowych żelazkach
aby wypchnąć dzieci, jak Boga, z jego oka.
Stary niewidzialny wąż połyka Gwiazdy.
Oh starry starry night! Tak chcę umrzeć:

w tę pędzącą bestię nocy,
wciągniętą przez tego wielkiego smoka, by oderwać się
od mojego życia bez flagi,
bez brzucha,
bez płaczu.

niepokojące Muzy, de Chirico, 1918

niepokojący nastrój malarstwa De Chirico jest nie tylko dopasowany, ale zaostrzony w niepokojącym wierszu Sylvii Plath, w którym wyobraża sobie swoje dzieciństwo nawiedzone przez trzy bezimienne muzy, które przypominają trzy losy klasycznej mitologii, a także inne tria złowrogich kobiet z mitów i literatury. Ze swoimi przerażającymi, pustymi twarzami „czuwają” nad nią, swoimi dziwnymi postaciami, jak obraz De Chirico, rzucając swoje długie cienie „w zachodzącym słońcu / które nigdy nie rozjaśnia ani nie zachodzi”.

7. Niepokojące Muzy, Sylvia Plath (1957)

Matko, Matko, co za źle wychowana ciotka
lub co za oszpecona i brzydka kuzynka tak nierozważnie trzymałaś
Niepaskowaną do mojego chrztu, że wysłała te panie w jej miejsce
z głowami jak jaja do kiwania głową
i kiwaniem głową i kiwaniem głową
i po lewej stronie mojego łóżeczka?

Matko, która zrobiła na zamówienie opowieści o mixie Blackshort Bohaterskim niedźwiedziu,
Matko, której czarownice zawsze, zawsze,
piekły się na pierniku, zastanawiam się, czy je widziałaś, czy powiedziałaś słowa, by pozbyć się mnie z tych trzech pań, Kiwających nocą wokół mojego łóżka,
bezzębnych, bez oczu, z przyszytą łysą głową.

w czasie huraganu, gdy dwunastka ojca uczyła się okien brzuchała w
jak bąbelki, które miały pęknąć, nakarmiłeś
mojego brata i mnie ciasteczkami i Owaltyną
i pomogłeś nam obu chórem:
„Thor jest zły: boom boom boom!
Thor jest zły: nie obchodzi nas to!”
ale te panie rozbiły szyby.

Kiedy na palcach tańczyły uczennice, mrugając latarkami jak świetliki i śpiewając piosenkę glowworm, nie mogłam podnieść stopy w błyskotliwej sukience
ale, ciężka stopa, stała na bok
w cieniu rzucanym przez moje ponure głowy
matki chrzestne, a Ty płakałaś i płakałaś:
a cień się rozciągnął, światła zgasły.

Matko, wysłałaś mnie na lekcje gry na fortepianie
i chwaliłaś moje arabeski i tryle
chociaż każdy nauczyciel znalazł Mój Dotyk
dziwnie Drewniany pomimo skal
i godzin ćwiczeń, moje ucho
ton-głuchy i tak, nieosiągalny.
nauczyłam się, nauczyłam, nauczyłam się gdzie indziej,
od muz, które nie były przez Ciebie, droga matko

obudziłam się pewnego dnia, aby zobaczyć ciebie, Matko,
unoszącą się nade mną w najjaśniejszym niebieskim powietrzu
na zielonym balonie jasnym z milionem
kwiatów i niebieskich ptaków, których nigdy nie było
Nigdy, Nigdy, nigdzie nie znaleziono.
ale mała planeta odleciała
jak bańka mydlana, Jak to nazwałeś: Chodź tu!
i zmierzyłem się z towarzyszami podróży.,

dzień teraz, noc teraz, na głowie, boku, stopach,
stoją na czuwaniu w kamiennych sukniach,
twarze puste jak dzień, w którym się urodziłem,
ich cienie długie w zachodzącym słońcu, które nigdy nie rozjaśnia ani nie zachodzi.
i to jest królestwo, któremu mnie zanudzasz,
Matko, Matko. Ale żadne moje brwi
nie zdradzą mojego towarzystwa.

Nude Descending a Staircase, Duchamp, 1912

Akt Duchampa Descending a Staircase został pokazany na słynnym 1913 Armory Show w Nowym Jorku, gdzie naturalnie wywołał poruszenie. Do tego czasu ojciec sztuki konceptualnej zdecydowanie odrzucił to, co lekceważąco nazwał „sztuką siatkówki” i w tym samym roku wyprodukował Koło rowerowe, swoje pierwsze gotowe i pierwsze na świecie kinetyczne dzieło sztuki. X. J. Kennedy uchwycił bezmyślny, mechanistyczny ruch postaci – ” ciągły mróz uda na udzie.”

8. Nagie zejście po schodach, X. J. Kennedy (1961)

Toe upon toe, a snowing flesh,
a gold of lemon, root and rind,
she sifts in sunlight down the stairs
With nothing on. Ani w jej umyśle.

szpiegujemy pod balustradą
ciągły mróz uda na udzie–
jej usta odciskają kołyszące się powietrze
które części pozwalają jej części przejść.

wodospad jednej kobiety, nosi
swoje powolne opadanie jak długą pelerynę
i pauzuje, na końcowych schodach
zbiera swoje ruchy w kształt.

l 'Estaque, Cézanne, 1883

Cézanne namalował około 20 widoków L’ Estaque, wioski rybackiej na zachód od Marsylii. Ukazują one zmiany pór roku i zmieniające się wzorce światła w różnych porach dnia. Artysta dążył jednak do osiągnięcia ponadczasowej monumentalności, której w jego odczuciu brakowało w twórczości impresjonistów. Allen Ginsberg spogląda tutaj poza to, co jego zdaniem obraz jedynie opisuje, i ku transcendentnej rzeczywistości, która „nie występuje na płótnie”. Za zatoką, a z dala od pierwszego planu, gdzie znajdziemy „czas i życie / zmieciony w wyścigu”, jest, mówi „niebo i wieczność”.

9. Cézanne ’ s Ports, Allen Ginsberg (1950)

na pierwszym planie widzimy czas i życie
w wyścigu
w kierunku lewej strony obrazu
Gdzie Brzeg spotyka się z brzegiem.

ale to miejsce spotkania
nie jest reprezentowane;
nie występuje na płótnie.

Po drugiej stronie zatoki
jest niebo i wieczność,
z ponurą białą mgłą nad jej górami.

a ogromna woda L ’ Estaque jest pośrednikiem
dla łodzi wiosłowych.

Diana i Actaeon, Tycjan, 1556-59

obraz Tycjana przedstawia scenę między Dianą i Actaeon z metamorfoz Owidiusza. Ukazuje moment przypadkowego odkrycia, gdy Actaeon, po całodziennym polowaniu, szpieguje nagą Dianę kąpiącą się z nimfami. Actaeon jest natychmiast przemieniony w jelenia i jest ścigany i zabijany przez własne psy, które go nie rozpoznają. Wiersz Szirties rozpoczyna się cytatem z elegii donne ’ A XX (z jego kochanki idącej do łóżka): „O moja Ameryka, Moja Nowa Fundlandia”, kusząca gra o seksualnych odkryciach i podbojach. Wiersz jest opowiedziany z punktu widzenia Actaeona, z Dianą w dziwnej i nieco złowrogiej roli – „Ty, pijesz / nocną wodę” czyta się jako oskarżenie z ust niesprawiedliwie skrzywdzonego, ale przyznając się do jego pragnienia.

10. Actaeon, George Szirtes (2012)

O, My America, my Newfoundland
John Donne, „Elegy 20”

O, my America, discovered by slim chance,
behind, as it seemed, a washing line
i shovedside without thought –
does desire have thoughts or define
its object, consuming all in a glance?

You, with your several flesh sinking
upon itself in attitudes of hurt,
while the dogs at my heels
growl at the strange red shirt
under a horned moon, you, piting

night water – tell me What The eye kradnie
or borrows. Czego nie możemy puścić
bez protestu? Moje własne ciało obraca się przeciwko mnie, gdy czuję, że rośnie wbrew mnie. Cokolwiek noc ujawnia

jest niebezpiecznie zębate. I tak ciało płonie,jakby rozdarte przez samą obfitość skóry i płacze. Nosi poszarpaną sukienkę
jak coś, w czym kiedyś znalazł pociechę,
tego rodzaju pociechy nawet pies uczy się

poprzez zapach. Tak więc ciało odpada, coraz mniej ludzkie, jak samo pożądanie, chociaż ból wciąż rejestruje się w strasznej równowadze umysł wydaje się tak niechętny do zachowania, o, moja Ameryka, moja nagość!

Fisun Guner na Twitterze