Editor ’ s note: The Harvard Initiative for Learning and Teaching (HILT) conference last May asked participants to reflect the following framing question: „In this time of disruption and innovation for universities, what are the essentials of good teaching and learning?”Na konferencji, po dyskusji panelu psychologów na temat aspektów” nauki uczenia się”, trzech prelegentów zajęło się”sztuką nauczania” —wśród nich ówczesna profesor historii sztuki i architektury Jennifer L. Roberts (obecnie profesor nauk humanistycznych Elizabeth Cary Agassiz), która prowadzi również program doktorancki w zakresie Studiów Amerykańskich. Wyznała ograniczoną ekspozycję na teorię edukacji, a następnie przystąpiła do żywej demonstracji głębokiej humanistycznej edukacji i uczenia się, zaczerpniętej z własnego nauczania w historii sztuki, ale z szerszymi zastosowaniami. Chociaż w swoim nauczaniu wykorzystuje szeroko technologię cyfrową, uważa, że istotne jest również zapewnienie uczniom doświadczenia w dyscyplinach uważnej, które są bezpośrednio sprzeczne z szybkimi, wspomaganymi technologicznie pedagogami pojawiającymi się w erze cyfrowej—oraz z doświadczeniami i oczekiwaniami współczesnych studentów. Roberts zaadaptował następujący tekst z jej prezentacji.

nie jestem pewien, czy istnieje coś takiego jak nauczanie w ogóle, czy istnieje naprawdę jakaś podstawowa strategia nauczania, którą można wyabstrahować z różnych kontekstów, w których jest praktykowana. Aby nie stracić z oczu faktury Dyscyplinarnej, która definiuje całe nauczanie, chcę dziś przedstawić moje komentarze w kontekście historii sztuki – i w formie, która od czasu do czasu będzie przypominać lekcję historii sztuki.

w ciągu ostatnich kilku lat zacząłem odczuwać, że muszę odgrywać aktywniejszą rolę w kształtowaniu doświadczeń temporalnych uczniów na moich kursach; że w procesie projektowania programu nauczania muszę nie tylko dobierać lektury, wybierać tematy i porządkować kolejność materiału, ale także w sposób sumienny i jednoznaczny kształtować tempo i tempo doświadczeń edukacyjnych. Kiedy studenci będą pracować szybko? Kiedy powoli? Kiedy oczekuje się od nich spontanicznych odpowiedzi i kiedy oczekuje się od nich, że będą spędzać czas na głębszej kontemplacji?

chcę dziś skupić się na powolnym końcu tego spektrum tempa, na tworzeniu możliwości dla uczniów do angażowania się w spowolnienie, cierpliwość i wciągającą uwagę. Argumentowałbym, że są to rodzaje praktyk, które obecnie najbardziej muszą być aktywnie projektowane przez wykładowców, ponieważ po prostu nie są już dostępne „w naturze”, tak jakby były. Każda presja zewnętrzna, społeczna i technologiczna, popycha uczniów w innym kierunku, w kierunku natychmiastowości, szybkości i spontaniczności—i przeciw tej innej możliwości. Chcę dać im pozwolenie i struktury na spowolnienie.

na wszystkich moich kursach historii sztuki, magisterskich i licencjackich, każdy student ma napisać intensywną pracę badawczą opartą na jednym wybranym przez siebie dziele sztuki. Pierwszą rzeczą, o którą proszę ich w procesie badawczym, jest spędzenie boleśnie długiego czasu na patrzeniu na ten obiekt. Powiedzmy, że student chciał zbadać pracę popularnie znaną jako chłopiec z wiewiórką, namalowaną w Bostonie w 1765 roku przez młodego artystę Johna Singletona Copleya. Przed dokonaniem jakichkolwiek badań w książkach lub Internecie, student powinien najpierw udać się do Muzeum Sztuk Pięknych, gdzie wisi, i spędzić trzy pełne godziny patrząc na obraz, notując swoje ewoluujące obserwacje, a także pytania i spekulacje, które wynikają z tych obserwacji. Przedział czasowy jest wyraźnie zaprojektowany, aby wydawać się nadmierny. Kluczowe dla ćwiczenia jest również ustawienie muzeum lub archiwum, które usuwa ucznia z jego codziennego otoczenia i rozprasza.

na początku wielu uczniów sprzeciwia się poddaniu się takiemu ćwiczeniu. Jak może być trzygodzinny incydent i informacja na tej małej powierzchni? Jak to możliwe, że w jednym dziele sztuki warto zobaczyć i przemyśleć trzy godziny? Ale po wykonaniu zadania uczniowie powtarzają mi, że byli zdumieni potencjałem, jaki ten proces otworzył.

powszechnie przyjmuje się, że widzenie jest natychmiastowe. Wydaje się bezpośredni, nieskomplikowany i natychmiastowy—dlatego prawdopodobnie stał się głównym zmysłem dostarczania informacji we współczesnym świecie technologicznym. Ale to, co uczniowie uczą się w trzewiowy sposób w tym zadaniu, to to, że w każdym dziele sztuki są szczegóły, porządki i relacje, które wymagają czasu, aby je dostrzec. Sam wykonałem trzygodzinne ćwiczenia na tym obrazie, przygotowując się do własnych badań nad Copleyem. I zajęło mi dużo czasu, aby zobaczyć niektóre z kluczowych szczegółów, które ostatecznie stały się kluczowe dla mojej interpretacji i mojej opublikowanej pracy nad obrazem.

kilka przykładów z pierwszej godziny mojego własnego eksperymentu: Zajęło mi dziewięć minut, aby zauważyć, że kształt ucha chłopca dokładnie odzwierciedla kształt rufy wzdłuż brzucha wiewiórki-i że Copley tworzył jakiś rodzaj połączenia między zwierzęciem a ludzkim ciałem i zdolnościami zmysłowymi każdego z nich. Minęło 21 minut, zanim zarejestrowałem fakt, że palce trzymające łańcuch dokładnie rozciągają średnicę szklanki pod nimi. Minęło 45 minut, zanim zdałem sobie sprawę, że pozornie przypadkowe fałdy i zmarszczki w tle zasłony są w rzeczywistości idealnymi kopiami kształtów ucha i oka chłopca, tak jakby Copley wyobraził sobie te narządy zmysłów rozprowadzające się lub odciskające się na powierzchni za nim. I tak dalej.

to ćwiczenie pokazuje uczniom, że to, że na coś spojrzałeś, nie znaczy, że to widziałeś. Tylko dlatego, że coś jest natychmiast dostępne dla wzroku, nie oznacza, że jest natychmiast dostępne dla świadomości. Inaczej mówiąc: dostęp nie jest równoznaczny z nauką. To, co zmienia dostęp w naukę, to czas i strategiczna cierpliwość.

historyk sztuki David Joselit określił obrazy jako głębokie rezerwuary doczesnego doświadczenia—”baterie czasu”—”wygórowane zapasy” doświadczenia i informacji. Sugerowałbym, że to samo dotyczy wszystkiego, co student chciałby studiować na Uniwersytecie Harvarda—Gwiazdy, sonetu, chromosomu. Istnieje nieskończona głębia informacji w każdym momencie Edukacji Uczniów. Muszą tylko poświęcić trochę czasu, aby odblokować to bogactwo. I dlatego dla mnie ta lekcja o sztuce, wizji i czasie wykracza daleko poza historię sztuki. Służy jako mistrzowska lekcja wartości krytycznej uwagi, cierpliwego dochodzenia i sceptycyzmu co do natychmiastowych pozorów powierzchniowych. Mogę myśleć o kilku umiejętnościach, które są ważniejsze w życiu akademickim lub obywatelskim w XXI wieku.

spowolnienie jest zatem produktywnym procesem, formą wykwalifikowanego lęku, który może skierować uczniów w krytyczny sposób na współczesny świat. Ale chcę również argumentować, że jest to niezbędna umiejętność do zrozumienia i interpretacji świata historycznego. Teraz przejdziemy do lekcji historii sztuki, która jest lekcją o kształtujących się mocach opóźnienia w historii świata.

wybrałem pracę Copleya do omówienia dzisiaj, ponieważ w rzeczywistości ma ona znaczący rezonans edukacyjny. To w zasadzie przykład osiemnastowiecznego nauczania na odległość. W 1765 Copley spisywał się bardzo dobrze jako najlepszy malarz portretowy w Ameryce Północnej. Ale czuł się osaczony w zaściankowej Kolonii Bostonu, tysiące mil od najbliższej Akademii Sztuki. Był oczywiście utalentowanym malarzem, ale był głównie samoukiem i tęsknił za szansą uczenia się od superstars Malarstwa w Akademickim Centrum Londynu. Postanowił więc spróbować otworzyć kurs korespondencyjny. Aby rozpocząć korespondencję, namalował ten obraz, zapakował go do skrzyni, udał się do portu w Bostonie, włożył na statek, wrócił do swojego studia i czekał na opinie, jakie może uzyskać na temat swojej pracy z Londynu.

musiał czekać bardzo długo.

podróżowanie do Londynu trwało około miesiąca, a potem tkwił na kilka tygodni w urzędzie celnym, a potem czekał kilka tygodni, zanim mógł trafić na wystawę, a wtedy przyjaciel Copleya napisał do niego list, w którym przekazał niektóre rzeczy, które usłyszał od akademików. Długo czekał na wysłanie go, w którym to momencie zajęło prawie osiem tygodni (płynąc teraz pod prąd), aby powrócić do Bostonu na innym statku. Podsumowując, minęło około 11 miesięcy, zanim Copley był w stanie otworzyć list swojego przyjaciela i dowiedzieć się, że malarze w Londynie uważali, że jego praca jest ogólnie wspaniała, ale cierpiała z powodu bycia raczej „zbyt liniowym”—i że Copley mógłby rozważyć naprawienie tego błędu. Copley nie był pewien, co to dokładnie oznacza, i wysłał kolejny list z prośbą do przyjaciela, aby dowiedzieć się więcej w tej sprawie. Stało się to typowe dla jego edukacji na odległość.

ludzie w tej sali, którzy mają doświadczenie w teorii edukacyjno-zwrotnej, są prawdopodobnie przerażeni. Rzeczywiście, w kategoriach nauki edukacyjnej, to agonizująco powolne tempo reakcji byłoby określone, jak sądzę, jako” nieformatywne ” informacje zwrotne. A jednak chciałbym zasugerować, że powolność niekoniecznie jest „nieformatywna”-w rzeczywistości w przypadku tego obrazu jest ona na wskroś formatywna. Chcę jasno powiedzieć, że nie twierdzę, że powinniśmy czekać 11 miesięcy na Zwrot dokumentów. Mówię w bardziej ogólny sposób o potrzebie zrozumienia, że opóźnienia nie są tylko obojętnymi przeszkodami uniemożliwiającymi produktywność. Opóźnienia same w sobie mogą być produktywne.

widać to bezpośrednio w obrazie, który jest pełen aluzji do czasu, dystansu i cierpliwości. Obraz opowiada o własnym pacjencie przechodzącym przez czas i przestrzeń. Spójrz na tę wiewiórkę. Jak wskazuje dziwny kształt futra brzucha, jeśli trzeba czasu, aby to zauważyć, nie jest to zwykła Wiewiórka, ale latająca wiewiórka, gatunek pochodzący z Ameryki Północnej z oczywistymi rezonansami tematycznymi na temat podróży i ruchu. (Pełny tytuł pracy to chłopiec z latającą wiewiórką.) Ponadto wiewiórki w malarstwie i literaturze były powszechnie rozumiane jako symbole pracowitości i cierpliwości. Następnie: szklanka wody i dłoń. W całej swojej długiej karierze, jest to jedyna szklanka wody, którą Copley kiedykolwiek zawarł w obrazie. Dlaczego? Otóż, po pierwsze, motyw ten przywołuje Przejście łańcucha SENSORYCZNEGO przez zbiornik wodny i tym samym przedstawia w mikrokosmosie trudność lub zadanie samego obrazu. Lub pomyśl o formacie profilu portretu-niezwykłym dla Copleya. Okazuje się, że w XVIII wieku format profilu był bardzo silnie związany z trwaniem w czasie i przestrzeni. Gdzie można było zobaczyć profil? Na monecie. Co to jest moneta? Zasadniczo moneta jest narzędziem do przekazywania wartości w przestrzeni i czasie w najbardziej stabilny możliwy sposób. Monety są technologiami rozciągania czasu i dystansu, a Copley pożycza od tych skojarzeń obraz, który próbuje zrobić to samo.

obraz Copleya, innymi słowy, jest ucieleśnieniem opóźnień, które zostały stworzone, aby przetrwać. Gdyby Copley miał natychmiastowy dostęp do swoich instruktorów w Londynie, gdyby był kurs edX prowadzony przez Royal Academy, nie byłby zmuszony do malowania w taki sposób, w jaki to zrobił. Zmiana tempa wymiany zmieniłaby formę i treść wymiany. Ten konkretny obraz po prostu by nie istniał. Ten obraz powstaje z opóźnienia, a nie wbrew temu.

i tak naprawdę jest to lekcja o znacznie szerszym znaczeniu dla każdego, kto jest zaangażowany w nauczanie lub uczenie się historii. W tysiącach lat ludzkiej historii, które poprzedziły nasz obecny moment chwilowej komunikacji, tkanina ludzkiego zrozumienia była wpleciona do pewnego stopnia z opóźnienia, spóźnienia, oczekiwania. Wszystkie obiekty zostały wykonane z wolnego czasu w sposób, w jaki obraz Copleya konkretyzuje własną sytuację opóźnienia. Myślę, że jeśli chcemy uczyć historii odpowiedzialnie, musimy dać uczniom możliwość zrozumienia formujących wartości czasu i opóźnienia. Nauczanie historii od dawna rozumiane jest jako uczenie uczniów wyobrażania sobie innych czasów; teraz wymaga to również, aby zrozumieli różne tymczasowości. Czas nie jest więc tylko negatywną przestrzenią, bierną przerwą, którą należy przezwyciężyć. Jest to siła produkcyjna lub formująca sama w sobie.

biorąc pod uwagę to wszystko, chcę zakończyć kilkoma przemyśleniami na temat uczenia cierpliwości jako strategii. Celowe zaangażowanie opóźnienia powinno być podstawową umiejętnością, której uczymy uczniów. Jest to bardzo stara idea, że cierpliwość prowadzi do umiejętności—oczywiście-ale wydaje się pilne teraz, gdy idziemy dalej i myślimy o samej cierpliwości jako o umiejętności, której należy się nauczyć. Przyznaję-cierpliwość może być dość trudna do sprzedania jako narzędzie edukacyjne. Brzmi nostalgicznie i bezinteresownie tradycyjnie. Twierdzę jednak, że w miarę jak kształt czasu zmieniał się wokół niego, znaczenie dzisiejszej cierpliwości odwróciło się od pierwotnych konotacji. Cnota cierpliwości była pierwotnie związana z wyrozumiałością lub cierpieniem. Chodziło o dostosowanie się do potrzeby czekania na rzeczy. Ale teraz, gdy generalnie nie trzeba czekać na rzeczy, cierpliwość staje się aktywnym i pozytywnym stanem poznawczym. Tam, gdzie kiedyś cierpliwość wskazywała na brak kontroli, teraz jest formą kontroli nad tempem współczesnego życia, które inaczej nas kontroluje. Cierpliwość nie oznacza już pozbawiania władzy – być może teraz cierpliwość jest mocą.

Jeśli ” cierpliwość „brzmi zbyt staromodnie, nazwijmy to” zarządzaniem czasem „lub” inteligencją czasową „lub” masową inżynierią zniekształceń czasowych.”Tak czy inaczej, świadomość czasu i cierpliwości jako produktywnego medium uczenia się jest czymś, co uważam za pilne, aby wzorować się na—i oczekiwać od—moich uczniów.