poezia a inspirat întotdeauna artiști. Metamorfozele lui Ovidiu și Divina Comedie a lui Dante sunt două dintre cele mai durabile. Și conform Art Everywhere, despre care voi spune puțin aici, dar despre care am scris în altă parte (vezi bara laterală), pictura preferată a națiunii este inspirată dintr-un poem mai recent: The Lady of Shalott de la JW Waterhouse arată eroina nefericită a celebrului verset al lui Tennyson care se mișcă inexorabil spre moartea ei apoasă „ca un văzător îndrăzneț în transă”. Al doilea favorit este, întâmplător, o altă ilustrare narativă a unei eroine nefericite pe punctul de a-și întâlni soarta apoasă – Ophelia lui Millais.

epoca victoriană a fost ultimul mare hurrah al operelor vizuale de artă inspirate de literatură și a fost decisiv gotică în aromă. Dar secolul 20 a văzut moartea picturii narative, iar ilustrațiile din MIT și literatură au renunțat la modă.

pictorii erau încă influențați de literatură, desigur, dar influența, cu câteva excepții notabile, s-a jucat în moduri mai abstracte, nebuloase. În schimb, găsim o schimbare decisivă-scriitorii se îndreaptă din ce în ce mai mult spre lucrările pictorilor și sculptorilor. Poeții s – au uitat la canonul istoric-nu l-am inclus aici, dar cu siguranță Larkin ‘ s un mormânt Arundel este cel mai mare poem postbelic inspirat de o singură operă de artă. Dar, mai des, poeții moderniști, în special în America, s-au uitat la artiștii moderniști pentru inspirație.

Conservatorul Larkin nu era un fan al modernismului, văzând urâțenia și distrugerea în metodele sale. Cu toate acestea, pentru mulți alți scriitori, modernismul în artele vizuale a apărut regenerativ în violența sa de a forma. La fel ca artiștii vizuali ai secolului 20, scriitorii nu mai prezentau o fereastră către lume așa cum apăruse de la Renaștere, ci, evident, filtrată și schimbată de imaginație în moduri uimitoare. Pentru a-l cita pe Wallace Stevens (nr.4), răspunzând la Picasso ‘ s vechiul chitarist, „lucrurile așa cum sunt / sunt schimbate pe chitara albastră.”

mai jos, răspunzând picturilor vechi și moderne, am ales nouă poezii din secolul 20 și una din secolul 21. Poeziile sunt ilustrate de picturile care le-au inspirat direct gândurile.

imagine de doliu (imaginea principală), Edwin Romanzo Elmer, 1890

puțin cunoscutul artist american Edwin Ramanzo Elmer a pictat această lucrare ciudată și arestantă după moartea din apendicită a fiicei sale Effie, în vârstă de 9 ani. Aici este portretizată cu mielul și pisoiul ei de companie, împotriva casei de clapboard pe care tatăl ei a construit-o în vestul Massachusetts. Figurile îndepărtate și rigide ale artistului și ale soției sale apar în haine de doliu, deși pictura a primit titlul doar zeci de ani mai târziu, și nu de către artist. Vocea narativă din poezia lui Adrienne Rich aparține mortului Effie, singurul copil al cuplului. Bântuitor, ea compară venele frunzei de liliac cu „mâna trancată de durere”a tatălui ei.

1. Imagine de doliu, Adrienne Rich (1965)

au purtat scaunul de mahon și balansoarul de trestie
sub tufișul liliac,
și tatăl și mama stau întunecați acolo, în haine negre.
casa noastră de clapboard stă pe Deal,
păpușa mea zace în căruciorul ei de răchită
uitându-se la vestul Massachusetts.
asta era lumea noastră.
aș putea reface fiecare fir de iarbă
simțindu-mi rasul pe degete,
să desenez harta fiecărei frunze de liliac
sau Plasa de vene de pe mâna îndurerată a tatălui meu.

Din Capul meu, pe jumătate plin, încă plin, visul se condensează–
umbre, cristale, tavane, pajiști, Globuri de rouă.
sub verdele mat al liliacului, afară în lumină
sculptând fiecare vorbea despre cărucior, stâlpii de pridvor întoarși,
sub nori înalți de la începutul verii,
sunt Effie, vizibil și invizibil,
amintindu-mi și amintindu-mi.

peisaj cu căderea lui Icar, Pieter Bruegel cel Bătrân, 1558

ne ia ceva timp să vedem picioarele palide care lovesc în Marea verde din dreapta imaginii, deoarece marea pictură a lui Bruegel arată căderea lui Icar ca o întâmplare întâmplătoare, nu Evenimentul principal al acestei scene. Dar insignifianța suferinței umane pentru univers este într-adevăr tema sa. Plugarul își continuă sarcina, în timp ce „nava scumpă și delicată”, după ce a asistat fără îndoială la incident, a avut „undeva unde să ajungă și a navigat calm.”Poetul Imagist William Carlos Williams a fost, de asemenea, inspirat să scrie o poezie despre acest tablou, precum și o altă faimoasă lucrare Bruegel inclusă aici (vezi Nr.3).

2. Museux des Beaux Arts, W. H. Auden (1938)

despre suferință nu s-au înșelat niciodată,
vechii maeștri: cât de bine au înțeles
poziția sa umană; cum se întâmplă
în timp ce altcineva mănâncă sau deschide o fereastră sau doar merge pe jos;
cum, atunci când bătrânii așteaptă cu reverență, cu pasiune
nașterea miraculoasă, trebuie să existe întotdeauna
copii care nu au vrut în mod special să se întâmple, patinând
pe un iaz de la marginea pădurii:
nu au uitat niciodată
că până și martiriul îngrozitor trebuie să-și urmeze cursul
oricum într-un colț, într-un loc neplăcut
unde câinii își continuă calul torționarului
își zgârie spatele nevinovat pe un copac.

în Icarul lui Brueghel, de exemplu: cum totul se abate destul de încet de la dezastru; Plugarul poate că a auzit stropirea, strigătul părăsit, dar pentru el nu a fost un eșec important; soarele strălucea așa cum trebuia pe picioarele albe dispărând în apa verde; și scumpa navă delicată care trebuie să fi văzut ceva uimitor, un băiat căzând din cer, trebuia să ajungă undeva și să navigheze calm.

vânători în zăpadă, Pieter Bruegel cel Bătrân, 1565

pictura panoramică uluitoare a lui Bruegel arată o scenă așezată în cea mai aspră iarnă. Vânătorii obosiți ai titlului se întorc acasă la sfârșitul unei vânătoare dezamăgitoare (recompensele muncii lor, după cum vedem, sunt slabe și chiar și câinilor le pare puțin rău pentru ei înșiși, deși viziunea expansivă pe care ei și noi o privim în jos este spectaculoasă și înălțătoare). Scena este descrisă cu o sparență izbitoare, poetul culegând detalii care alcătuiesc compoziția în ansamblu, făcându-ne conștienți de faptul că „Bruegel pictorul” aduce aceste elemente cu atenție și izbitor.

3. Vanatori in zapada, William Carlos Williams (1962)

Imaginea de ansamblu este iarna
munti inghetati
in fundal intoarcerea

de la vanatoare este spre seara
din stanga
vanatori robusti conduc in

haita lor semnul hanului care atarna de o balama rupta este un cerb un crucifix

intre coarnele lui Curtea rece a hanului este parasita, dar mare foc de tabara

că rachete de semnalizare condus de vânt tins de
femei care cluster
despre el la dreapta dincolo

deal este un model de patinatori
Brueghel pictorul
în cauză cu totul a ales

un tufiș lovit de iarnă pentru prim-planul său pentru a completa imaginea

vechiul chitarist, Picasso, 1903

mai jos sunt primele patru canto-uri ale unui poem care se extinde cu încă 29. Poezia riguroasă și strălucitoare a lui Stevens reflectă natura realității și căutarea artiștilor de a o modifica profund. „Lucrurile așa cum sunt / sunt schimbate pe chitara albastră”, ni se spune în primul canto, iar refrenul „lucrurile așa cum sunt” răsună ca un motiv recurent într-o piesă muzicală. Stevens a fost extrem de influențat de Opera artiștilor moderniști care au aplatizat și fragmentat spațiul pictural. Chitaristul său albastru este un „foarfece”.

4. Omul Cu chitara albastra, Wallace Stevens (1937)

eu

omul aplecat peste chitara lui,
un fel de foarfece. Ziua a fost Verde.
au spus, „Ai o chitară albastră,
nu cânți lucrurile așa cum sunt.”
omul a răspuns: „lucrurile așa cum sunt sunt schimbate pe chitara albastră.”
si au spus atunci, „dar cantati, trebuie,
O melodie dincolo de noi, dar noi insine,
O melodie pe chitara albastra a lucrurilor exact asa cum sunt.”
II
eu nu pot aduce o lume destul de rotund,
deși am patch-uri cum pot.
cânt un cap de erou, ochi mari și bronz bărbos, dar nu un om,
deși îl peticesc cât pot și ajung prin el aproape la om.
daca a Serenada aproape omului
inseamna a rata, prin asta, lucrurile asa cum sunt,
spune ca este serenada unui om care canta la chitara albastra.Ah, dar pentru a juca omul numărul unu, pentru a conduce pumnalul în inima lui, pentru a pune creierul lui pe bord și alege culorile acrid afară, pentru unghii gândul său peste ușă, aripile sale răspândit larg la ploaie și zăpadă, pentru a lovi lui de viață hi și ho, pentru a bifa, tock-l, transforma-l adevărat, pentru a bang dacă forma un albastru sălbatic, zornăind metalul corzilor…
IV br>deci asta e viața, atunci: lucrurile așa cum sunt?
își alege drumul pe chitara albastră.
un milion de oameni pe un singur fir?și tot felul lor în lucru și tot felul lor, bine și rău,și tot felul lor, slab și puternic?
sentimentele sună nebunește, viclean,
ca un zumzet de muște în aerul de toamnă,
și asta e viața, atunci: lucrurile așa cum sunt,
acest bussing al chitarei albastre.

autoportret la vârsta de 63 de ani, Rembrandt, 1669

multe dintre poeziile lui Elizabeth Jennings sunt răspunsuri directe la picturi; ai putea alege dintr-un bazin prolific care ne duce de la Mantegna la Mondrian. Aici vorbește despre onestitatea arzătoare și neonorantă a autoportretelor târzii ale lui Rembrandt-„îngrijirea pensulei tale / aleargă cu autocunoaștere” – care, prin descrierea neclintită a schimbărilor crude ale naturii, ne ajută să renunțăm „la frica de moarte.”

5. Autoportretele târzii ale lui Rembrandt, Elizabeth Jennings (1975)

te confrunți cu tine însuți. In fiecare an
pungile se umplu, pielea este mai urata.
dai totul neclintit. Te holbezi
in tine, dincolo. Grija pensulei Tale
se bazeaza pe autocunoastere. Aici
este o smerenie la una cu meșteșugul.
Nu există aroganță. Mândria este separată
de această auto-examinare. Faci lumina sa derive
asa cum vrei tu. Fata ta este ranita si ranita
dar inca mai exista iubire.
Dragostea de artă și altele. La ultimul
experimentul a continuat. Te uitai dincolo de vârsta ta, de vremuri. De asemenea, ai smuls trecutul
si l-ai temperat. Autoportretele inteleg,
si batranetea ne poate deposeda,
cu schimbari veridice, de frica de moarte.
Uite, o nouă angoasă. Acolo, nasul umflat,
tristetea si bucuria. Sa pictezi e sa respiri,
si toate intunecimile sunt indraznite. Ai ales
ceea ce fiecare trebuie să socotească cu.

Continued overleaf: Anne Sexton, Sylvia Plath, X. J Kennedy, Allen Ginsberg și George Szirtes

noaptea înstelată, Van Gogh, 1889

pictura lui Van Gogh transmite atât un sentiment de mișcare furioasă, cât și o atmosferă de seninătate: stelele radiază într-un cer turbulent, totuși orașul de dedesubt, a cărui existență Sexton neagă în prima linie, pare calm și gol. Sexton, care s-a sinucis în 1974, tânjește după uitarea morții, ca și cum moartea ar dispărea „în acea fiară grăbită a nopții / aspirată de acel mare dragon verde”. Poemul nu este atât un urlet de durere, ci mai degrabă o expresie urgentă a unei dorințe atotcuprinzătoare-dorința irepresibilă de a fi copleșită de o forță mai mare decât sine.

6. Noaptea înstelată, Anne Sexton (1961)

orașul nu există
cu excepția cazului în care un copac cu părul negru alunecă
ca o femeie înecată în cerul fierbinte.
orașul este tăcut. Noaptea fierbe cu unsprezece stele.
O noapte înstelată înstelată! Asa
vreau sa mor.

se mișcă. Toți sunt în viață.
chiar și luna se umflă în fiarele sale portocalii
pentru a împinge copiii, ca un zeu, din ochiul său.
vechiul șarpe nevăzut înghite stelele.
O noapte înstelată înstelată! Așa vreau să mor:

în fiara aia grăbită a nopții, aspirată de Marele dragon, să mă despart de viața mea fără steag, fără burtă, fără plâns.

muzele neliniștitoare, De Chirico, 1918

starea tulburătoare a picturii lui De Chirico nu este doar potrivită, ci sporită în poemul tulburător al Sylviei Plath, în care își imaginează sinele ei din copilărie bântuit de trei muze fără chip, care amintesc cele trei destine ale mitologiei clasice, precum și alte triouri ale femeilor sinistre din MIT și literatură. Cu fețele lor goale terifiante, ei „stau de veghe” peste ea, figurile lor ciudate, precum pictura lui De Chirico, aruncându-și umbrele lungi „în soarele apus / care nu luminează și nu coboară niciodată”.

7. Muzele neliniștitoare, Sylvia Plath (1957)

mamă, mamă, ce mătușă maltratată
sau ce verișoară desfigurată și inestetică
ai păstrat atât de neînțelept
nesocotită la botezul meu, încât ea
le-a trimis pe aceste doamne în locul ei
cu capete ca niște ouă îndrăznețe să dea din cap
și să dea din cap și din cap la picior și din cap
și în partea stângă a pătuțului meu?

mama, care a facut la comanda povesti
despre Mixie Blackshort Ursul eroic,
Mama, ale carei vrajitoare mereu, mereu,
se coceau in turta dulce, ma intreb
daca le-ai vazut, daca ai spus
cuvinte ca sa ma scapi de acele trei doamne
Care dau din cap noaptea in jurul patului meu,
fara gura, fara ochi, cu capul chel cusut.

în uragan, atunci când tatăl lui doisprezece ferestre studiu burdufat în
ca bule pe cale de a sparge, ai hrănit
fratele meu și cu mine cookie-uri și Ovaltine
și a ajutat noi doi la cor:
„Thor este furios: boom boom boom!
Thor este furios: nu ne pasă!”
dar acele doamne au spart geamurile.

când pe vârfuri elevele dansau,
clipind lanterne ca licuricii
și cântând cântecul glowworm, nu puteam
să ridic un picior în rochia sclipitoare
dar, cu picioarele grele, stăteam deoparte
în umbra aruncată de Nașele mele cu capul sumbru, iar tu plângeai și plângeai:
și umbra se întindea, luminile se sting.

mama, m-ai trimis la lectii de pian
si mi-ai laudat arabescurile si trilurile
Desi fiecare profesor mi-a gasit atingerea
ciudat de lemn in ciuda cantarelor si a orelor de antrenament, urechea mea
surda si da, de neatins.
am invatat, am invatat, am invatat in alta parte,
din muze neangajate de tine, draga mama

m-am trezit intr-o zi sa te vad, mama,
plutind deasupra mea in cel mai Albastru aer
pe un balon verde stralucitor cu un milion de flori si pasari albastre care nu au fost niciodata, niciodata, gasite nicaieri.
dar micuta planeta s-a indepartat
ca un balon de sapun asa cum ai spus: Vino aici!
și m-am confruntat cu tovarășii mei de călătorie.,

zi acum, noapte acum, la cap, lateral, picioare,
ei stau de veghe lor în halate de piatră,
fețele goale ca ziua în care m-am născut,
umbrele lor lung în apusul soarelui
care nu luminează sau se duce în jos.
si acesta este Regatul cu care ma plictisesti,
Mama, Mama. Dar nici o încruntare a mea
nu va trăda compania pe care o păstrez.

Nud coborând o scară, Duchamp, 1912

nudul lui Duchamp coborând o scară a fost prezentat la celebrul spectacol de armură din 1913 din New York, unde a provocat în mod natural o agitație. Până atunci, tatăl artei conceptuale respinsese decisiv ceea ce el numea în mod respingător „arta retinei” și în același an a produs roata bicicletei, prima sa operă de artă cinetică gata făcută și prima din lume. X. J. Kennedy surprinde mișcarea mecanicistă a figurii – – un prag constant al coapsei pe coapsă.”

8. Nud coborând o scară, X. J. Kennedy (1961)

Toe up toe, o carne ninge,
un aur de lamaie, radacina si coaja,
EA cerne în lumina soarelui în jos pe scări
cu nimic pe. Nici în mintea ei.

spionam sub balustrada
un prag constant de coapsa pe coapsa–
buzele ei imprima aerul swinging
ca sa-i lase partile sa treaca.

cascada cu o singură femeie, își poartă coborârea lentă ca o pelerină lungă și se oprește, pe scara finală, își adună mișcările în formă.

L ‘Estaque, c Inquxzanne, 1883

c Inquxzanne a pictat aproximativ 20 de priveliști ale L’ Estaque, un sat pescăresc la vest de Marsilia. Acestea arată schimbarea anotimpurilor și modelele schimbătoare ale luminii în diferite momente ale zilei. Cu toate acestea, artistul s-a străduit să obțină un sentiment de monumentalitate atemporală pe care a simțit-o că lipsește din opera impresioniștilor. Aici Allen Ginsberg privește dincolo de ceea ce el crede că pictura descrie doar și spre o realitate transcendentă care „nu apare pe pânză”. Dincolo de golf și departe de prim-plan unde găsim „timp și viață / măturat într-o cursă”, este, spune el „Raiul și eternitatea”.

9. C ports , Allen Ginsberg (1950)

în prim-plan vedem timpul și viața
măturate într-o cursă
spre partea stângă a imaginii
unde shore întâlnește shore.

dar acel loc de întâlnire
nu este reprezentat;
nu apare pe pânză.

pentru cealaltă parte a Golfului
este Raiul și eternitatea,
cu o ceață albă sumbră peste munții săi.

iar imensa apă de la L ‘ Estaque este un intermediar pentru bărcile cu vâsle.

Diana și Actaeon, Titian, 1556-59

pictura lui Titian descrie o scenă între Diana și Actaeon din Metamorfozele lui Ovidiu. Acesta arată momentul descoperirii accidentale ca Actaeon, după o zi de vânătoare, spionează gol Diana scăldat cu nimfe ei. Actaeon este transformat imediat într-un cerb și este urmărit și ucis de propriii câini, care nu-l recunosc. Poezia lui Szirties începe cu un citat din Elegia XX a lui Donne (de la amanta sa mergând la culcare): „O My America, My Newfoundland”, o piesă tentantă despre descoperirea și cucerirea sexuală. Poezia este spusă din punctul de vedere al lui Actaeon, Diana preluând un rol ciudat și oarecum sinistru – „tu, apă potabilă / noapte” citește ca o acuzație din gura unuia nedrept nedreptățit, dar recunoscând dorința sa la fel.

10. Actaeon, George Szirtes (2012)

O, America mea, Newfoundlandul meu
John Donne, „Elegy 20”

O, America mea, descoperită de slim chance,
în spatele, așa cum părea, a unei linii de spălare
pe care am împins –o deoparte fără să mă gândesc –
dorința are gânduri sau își definește obiectul, consumând totul dintr-o privire?

tu, cu mai multe carnea scufundarea
pe sine în atitudini de rănit,
în timp ce câinii de la călcâiele mele mârâi la cămașă roșie ciudat
sub o lună cu coarne, tu, băut

apa de noapte – spune-mi ce ochiul fură
sau împrumută. Ce nu putem lasa sa plece
fara protest? Corpul meu se intoarce
impotriva mea in timp ce simt ca creste
contrar. Orice noapte dezvăluie

este periculos dințată. Si astfel corpul arde
ca si cum ar fi rupt de abundenta de piele
si plange. Poartă rochia zdrențuită ca ceva în care a găsit odată confort, genul de confort pe care chiar și un câine îl învață prin miros. Deci carnea cade, tot mai puțin
umană, ca dorința însăși, deși durerea încă se înregistrează în echilibrul teribil
mintea pare atât de reticentă în a reține,
O, America mea, goliciunea mea!

Fisun Guner pe Twitter