Nota editorului: inițiativa Harvard pentru învățare și predare (HILT) conferința din luna mai a cerut participanților să reflecteze la următoarea întrebare de încadrare: „în acest moment de perturbare și inovare pentru universități, care sunt elementele esențiale ale predării și învățării bune?”La conferință, după ce un grup de psihologi au discutat aspecte ale „științei învățării”, trei vorbitori s—au adresat „artei predării” – printre ei, atunci profesor de istorie a artei și arhitecturii Jennifer L. Roberts (acum Elizabeth Cary Agassiz profesor de științe Umaniste), care prezidează și programul de doctorat în Studii Americane. Ea a mărturisit o expunere limitată la teoria educației și apoi a continuat să ofere o demonstrație vie a educației și învățării umaniste profunde, extrase din propria învățătură din istoria artei, dar cu aplicații mai largi. Deși folosește pe scară largă tehnologia digitală în predarea ei, ea consideră că este, de asemenea, esențial să ofere studenților experiență în moduri de disciplină atentă care contravin direct pedagogiilor de mare viteză, asistate tehnologic care apar în era digitală-și experiențelor și așteptărilor studenților contemporani. Roberts a adaptat următorul text din prezentarea ei HILT.

nu sunt sigur că există un astfel de lucru ca predarea în general sau că există cu adevărat vreo strategie esențială de predare care poate fi abstractizată din diferitele contexte în care este practicată. Pentru a nu pierde din vedere textura disciplinară care definește toată predarea, vreau să ofer comentariile mele astăzi în contextul istoriei artei—și într-o formă care se va simți ocazional ca o lecție de istorie a artei.

în ultimii ani, am început să simt că trebuie să-mi asum un rol mai activ în modelarea experiențelor temporale ale elevilor din cursurile mele; că în procesul de proiectare a unei programe trebuie nu numai să selectez lecturi, să aleg subiecte și să organizez succesiunea materialului, ci și să proiectez, într-un mod conștiincios și explicit, ritmul și ritmul experiențelor de învățare. Când vor lucra elevii rapid? Când încet? Când vor fi așteptați să ofere răspunsuri spontane și când vor fi așteptați să petreacă timp într-o contemplare mai profundă?

vreau să mă concentrez astăzi pe sfârșitul lent al acestui spectru de tempo, pe crearea de oportunități pentru studenți de a se angaja în decelerare, răbdare și atenție imersivă. Aș susține că acestea sunt genul de practici care acum trebuie cel mai mult să fie proiectate în mod activ de facultate, deoarece pur și simplu nu mai sunt disponibile „în natură”, așa cum s-a spus. Fiecare presiune externă, socială și tehnologică, îi împinge pe elevi în cealaltă direcție, spre imediatitate, rapiditate și spontaneitate—și împotriva acestui alt tip de oportunitate. Vreau să le dau permisiunea și structurile să încetinească.

în toate cursurile mele de istorie a artei, absolvent și universitar, fiecare student este de așteptat să scrie o lucrare de cercetare intensivă bazată pe o singură operă de artă la alegerea lor. Și primul lucru pe care le cer să facă în procesul de cercetare este de a petrece un timp dureros de lung uita la acel obiect. Să spunem că un student a vrut să exploreze lucrarea cunoscută popular sub numele de băiat cu veveriță, pictată în Boston în 1765 de tânărul artist John Singleton Copley. Înainte de a face orice cercetare în cărți sau online, studentul ar fi mai întâi de așteptat să meargă la Muzeul de Arte Frumoase, unde atârnă, și să petreacă trei ore întregi uitându-se la pictură, notând observațiile sale în evoluție, precum și întrebările și speculațiile care apar din aceste observații. Intervalul de timp este conceput în mod explicit pentru a părea excesiv. De asemenea, crucial pentru exercițiu este setarea muzeului sau arhivei, care elimină elevul din împrejurimile și distragerile sale de zi cu zi.

la început, mulți dintre studenți se opun să fie supuși unui astfel de exercițiu de remediere. Cum poate fi posibil să existe trei ore de incidente și informații pe această suprafață mică? Cum ar putea exista trei ore de lucruri pe care să le vezi și să le gândești într-o singură operă de artă? Dar după ce au făcut misiunea, elevii îmi spun în mod repetat că au fost uimiți de potențialul pe care acest proces l-a deblocat.

se presupune în mod obișnuit că vederea este imediată. Pare direct, necomplicat și instantaneu—motiv pentru care a devenit, fără îndoială, simțul principal pentru furnizarea de informații în lumea tehnologică contemporană. Dar ceea ce învață elevii într-un mod visceral în această misiune este că în orice operă de artă există detalii, ordine și relații care necesită timp pentru a percepe. Am făcut acest exercițiu de trei ore pe această pictură în curs de pregătire pentru propria mea cercetare pe Copley. Și mi-a luat mult timp să văd unele dintre detaliile cheie care au devenit în cele din urmă esențiale pentru interpretarea mea și pentru munca mea publicată asupra picturii.

doar câteva exemple din prima oră a propriului meu experiment: Mi—a luat nouă minute să observ că forma urechii băiatului ecou exact pe cea a rufului de-a lungul burții veveriței-și că Copley făcea un fel de legătură între animal și corpul uman și capacitățile senzoriale ale fiecăruia. Au trecut 21 de minute până când am înregistrat faptul că degetele care țin lanțul se întind exact pe diametrul paharului de apă de sub ele. A durat 45 de minute până să-mi dau seama că pliurile și ridurile aparent aleatorii din perdeaua de fundal sunt de fapt copii perfecte ale formelor urechii și ochiului băiatului, ca și cum Copley și-ar fi imaginat acele organe senzoriale distribuindu-se sau imprimându-se pe suprafața din spatele lui. Și așa mai departe.

ceea ce arată acest exercițiu elevilor este că doar pentru că te-ai uitat la ceva nu înseamnă că l-ai văzut. Doar pentru că ceva este disponibil instantaneu pentru viziune nu înseamnă că este disponibil instantaneu pentru conștiință. Sau, în termeni puțin mai generali: accesul nu este sinonim cu învățarea. Ceea ce transformă accesul în învățare este timpul și răbdarea strategică.istoricul de artă David Joselit a descris picturile ca fiind rezervoare adânci ale experienței temporale—”baterii de timp”—”stocuri exorbitante” de experiență și informații. Aș sugera că același lucru este valabil pentru orice student ar dori să studieze la Universitatea Harvard—o stea, un sonet, un cromozom. Există adâncimi infinite de informații în orice moment al educației elevilor. Ei trebuie doar să ia timp pentru a debloca această bogăție. Și de aceea, pentru mine, această lecție despre artă, viziune și timp depășește cu mult istoria artei. Acesta servește ca o lecție principală în valoarea atenției critice, investigația pacientului și scepticismul cu privire la aparițiile imediate ale suprafeței. Mă pot gândi la câteva abilități care sunt mai importante în viața academică sau civică din secolul XXI.

decelerarea este un proces productiv, o formă de reținere calificată care poate orienta elevii în moduri critice către lumea contemporană. Dar, de asemenea, vreau să susțin că este o abilitate esențială pentru înțelegerea și interpretarea lumii istorice. Acum vom intra în lecția de istorie a artei, care este o lecție despre puterile formative ale întârzierii în istoria lumii.

am ales lucrarea lui Copley pentru a discuta astăzi, deoarece are de fapt o rezonanță educațională semnificativă. Este în esență un exemplu de învățare la distanță din secolul al XVIII-lea. În 1765, Copley se descurca foarte bine ca cel mai bun portretist din America de Nord. Dar se simțea blocat în Colonia din Boston, la mii de kilometri distanță de cea mai apropiată academie de artă. El a fost în mod clar un pictor talentat, dar el a fost cea mai mare parte autodidact, și el a dorit să aibă o șansă de a învăța de la superstaruri pictura în centrul academic din Londra. Așa că a decis să încerce să deschidă un curs de corespondență. Și pentru a începe acea corespondență a pictat acest tablou, l-a împachetat într-o ladă, a mers până la portul Boston, l-a pus pe o navă, s-a întors la studioul său și a așteptat să vadă ce fel de feedback ar putea primi despre munca sa de la Londra.

a trebuit să aștepte foarte mult timp.

a fost nevoie de aproximativ o lună pentru ca tabloul să ajungă la Londra, apoi a fost blocat câteva săptămâni în vamă, apoi a așteptat câteva săptămâni înainte de a putea fi expus, iar apoi un prieten de-al lui Copley i-a scris o scrisoare în care îi transmitea unele dintre lucrurile pe care le auzise academicienii spunând. A așteptat mult timp să-l trimită, moment în care a durat aproape opt săptămâni (navigând acum împotriva curentului) pentru a se întoarce la Boston pe o altă navă. În total, au trecut aproximativ 11 luni înainte ca Copley să poată deschide scrisoarea prietenului său și să afle că pictorii din Londra credeau că opera sa este în general minunată, dar că suferea de a fi mai degrabă „prea liney”—și că Copley ar putea lua în considerare corectarea acestei greșeli. Copley nu era sigur exact ce însemna asta și a trimis o altă scrisoare cerându-i prietenului său să se intereseze mai mult în această privință. Acest lucru a devenit tipic educației sale pe distanțe lungi.acum, oamenii din această sală care au experiență în teoria feedback-ului educațional sunt probabil îngroziți. Într-adevăr, în ceea ce privește știința educației, acest ritm de răspuns agonizant de lent ar fi identificat, cred, ca feedback „non-formativ”. Și totuși aș dori să sugerez că lentoarea nu este neapărat „non-formativă”—de fapt, în cazul acestui tablou, este complet formativă. Permiteți-mi să fiu clar că nu argumentez că ar trebui să așteptăm 11 luni pentru a returna documentele. Vorbesc într-un mod mai general despre necesitatea de a înțelege că întârzierile nu sunt doar obstacole inerte care împiedică productivitatea. Întârzierile pot fi ele însele productive.

putem vedea acest lucru direct în tablou, care este plin de aluzii la timp, distanță și răbdare. Pictura este despre trecerea pacientului prin timp și spațiu. Uită-te la veverița aia. După cum indică forma ciudată a blănii de burtă, dacă cineva are nevoie de timp pentru a o observa, aceasta nu este doar o veveriță, ci o veveriță zburătoare, o specie originară din America de nord cu rezonanțe tematice evidente pentru tema călătoriei și mișcării. (Titlul complet al lucrării este un băiat cu o veveriță zburătoare.) Mai mult, veverițele din pictură și literatură erau în mod obișnuit înțelese ca embleme ale sârguinței și răbdării. Apoi: paharul cu apă și mâna. De-a lungul lungii sale cariere, acesta este singurul pahar cu apă pe care Copley l-a inclus vreodată într-un tablou. De ce? Ei bine, în primul rând, acest motiv evocă trecerea unui lanț senzorial peste un corp de apă și, prin urmare, prezintă în microcosmos situația sau sarcina picturii în sine. Sau gândiți—vă la formatul profilului portretului-neobișnuit pentru Copley. Se pare că în secolul al XVIII-lea, formatul profilului A fost foarte puternic asociat cu persistența în timp și spațiu. Unde a fost cel mai probabil să vadă un profil? Pe o monedă. Ce este o monedă? În esență, o monedă este un instrument pentru transmiterea valorii prin spațiu și timp în cel mai stabil mod posibil. Monedele sunt tehnologii care acoperă timpul și distanța, iar Copley împrumută de la aceste asociații pentru un tablou care încearcă să facă același lucru.

pictura lui Copley, cu alte cuvinte, este o întruchipare a întârzierilor pe care a fost creată să le îndure. Dacă Copley ar fi avut acces instantaneu la instructorii săi din Londra, dacă ar fi existat un curs edX dat de Academia Regală, nu ar fi fost obligat să picteze așa cum a făcut-o. Schimbarea ritmului schimbului ar fi schimbat forma și conținutul schimbului. Această pictură particulară pur și simplu nu ar exista. Această pictură este formată din întârziere, nu în ciuda ei.și aceasta este de fapt o lecție cu implicații mult mai largi pentru oricine este implicat în predarea sau învățarea istoriei. În miile de ani de istorie umană care au precedat momentul nostru actual de comunicare instantanee, însăși țesătura înțelegerii umane a fost țesută într-o oarecare măsură din întârziere, întârziere, așteptare. Toate obiectele au fost făcute din timp lent în modul în care pictura lui Copley își Concretizează propria situație de întârziere. Cred că dacă vrem să predăm istoria în mod responsabil, trebuie să le oferim elevilor posibilitatea de a înțelege valorile formative ale timpului și întârzierii. Predarea istoriei a fost mult timp înțeleasă ca învățând elevii să-și imagineze alte vremuri; acum, este nevoie, de asemenea, ca ei să înțeleagă diferite temporalități. Deci timpul nu este doar un spațiu negativ, o pauză pasivă care trebuie depășită. Este o forță productivă sau formativă în sine.având în vedere toate acestea, vreau să închei cu câteva gânduri despre predarea răbdării ca strategie. Angajarea deliberată a întârzierii ar trebui să fie ea însăși o abilitate primară pe care o predăm elevilor. Este o idee foarte veche că răbdarea duce la abilitate, desigur—dar pare urgent acum că mergem mai departe decât aceasta și ne gândim la răbdare în sine ca la abilitatea de învățat. Acordat-răbdarea ar putea fi o vânzare destul de greu ca un livrabil educațional. Sună nostalgic și gratuit tradițional. Dar aș susține că, pe măsură ce forma timpului s-a schimbat în jurul lui, sensul răbdării de astăzi s-a inversat de la conotațiile sale originale. Virtutea răbdării a fost asociată inițial cu toleranța sau suferința. Era vorba de a se conforma nevoii de a aștepta lucrurile. Dar acum că, în general, nu trebuie să aștepți lucrurile, răbdarea devine o stare cognitivă activă și pozitivă. Acolo unde răbdarea a indicat odată o lipsă de control, acum este o formă de control asupra ritmului vieții contemporane care altfel ne controlează. Răbdarea nu mai înseamnă lipsă de putere—poate că acum răbdarea este putere.

dacă „răbdarea” sună prea demodat, să o numim „managementul timpului” sau „inteligența temporală” sau „ingineria masivă a distorsiunilor temporale.”În orice caz, conștientizarea timpului și a răbdării ca mediu productiv de învățare este ceva ce simt că este urgent să modelez—și să mă aștept de la—elevii mei.