Redaktörens anmärkning: Harvard Initiative for Learning and Teaching (HILT) – konferensen i maj bad deltagarna att fundera över följande inramningsfråga: ”i denna tid av störningar och innovation för universitet, vad är det viktigaste med bra undervisning och lärande?”På konferensen, efter att en panel av psykologer hade diskuterat aspekter av ”vetenskapen om lärande”, tog tre talare upp ”konsten att undervisa”—bland dem då professor i konsthistoria och arkitektur Jennifer L. Roberts (nu Elizabeth Cary Agassiz professor i humaniora), som också är ordförande för doktorandprogrammet i amerikanska studier. Hon erkände begränsad exponering för utbildningsteori och fortsatte sedan med att ge en levande demonstration av djup humanistisk utbildning och lärande, hämtad från sin egen undervisning i konsthistoria, men med bredare tillämpningar. Även om hon gör Bred användning av digital teknik i sin undervisning, hon anser att det är också viktigt att ge eleverna erfarenhet i lägen av Uppmärksam disciplin som går direkt mot den höga hastigheten, tekniskt stödda pedagogik framväxande i den digitala eran-och erfarenheter och förväntningar samtida studenter. Roberts anpassade följande text från sin HILT-presentation.

Jag är inte säker på att det finns något sådant som undervisning i allmänhet, eller att det verkligen finns någon väsentlig undervisningsstrategi som kan abstraheras från de olika sammanhang där den praktiseras. För att vi inte ska förlora den disciplinära strukturen som definierar all undervisning, vill jag ge mina kommentarer idag i samband med konsthistoria—och i en form som ibland känns som en konsthistorielektion.

under de senaste åren har jag börjat känna att jag behöver ta en mer aktiv roll i att forma de tidsmässiga upplevelserna hos eleverna i mina kurser; att jag i färd med att utforma en kursplan inte bara behöver välja avläsningar, välja ämnen och organisera materialsekvensen utan också att på ett samvetsgrant och tydligt sätt konstruera tempot och tempot i inlärningsupplevelserna. När kommer eleverna att arbeta snabbt? När långsamt? När förväntas de erbjuda spontana svar, och när förväntas de spendera tid i djupare kontemplation?

Jag vill fokusera idag på den långsamma änden av detta tempospektrum, på att skapa möjligheter för studenter att engagera sig i retardation, tålamod och uppslukande uppmärksamhet. Jag skulle argumentera för att det här är den typ av praxis som nu mest behöver aktivt konstrueras av fakulteten, eftersom de helt enkelt inte längre är tillgängliga ”i naturen” som det var. Varje yttre tryck, socialt och tekniskt, Driver eleverna i andra riktningen, mot omedelbarhet, snabbhet och spontanitet—och mot denna andra typ av möjlighet. Jag vill ge dem tillstånd och strukturer att sakta ner.

i alla mina konsthistoriska kurser, forskarutbildning och grundutbildning förväntas varje student skriva ett intensivt forskningspapper baserat på ett enda konstverk efter eget val. Och det första jag ber dem att göra i forskningsprocessen är att spendera en smärtsamt lång tid på att titta på det objektet. Säg att en student ville utforska arbetet populärt känt som pojke med en ekorre, målad i Boston 1765 av den unga konstnären John Singleton Copley. Innan du gör någon forskning i böcker eller online, skulle studenten först förväntas gå till Museum of Fine Arts, där det hänger, och tillbringa tre hela timmar tittar på målningen, notera hans eller hennes utvecklande observationer samt de frågor och spekulationer som härrör från dessa observationer. Tidsintervallet är uttryckligen utformat för att verka överdrivet. Också avgörande för övningen är museet eller arkivinställningen, som tar bort studenten från sin vardagliga omgivning och distraktioner.

till en början motstår många av eleverna att utsättas för en sådan korrigerande övning. Hur kan det eventuellt finnas tre timmars incident och information på denna lilla yta? Hur kan det möjligen finnas tre timmars värde av saker att se och tänka på i ett enda konstverk? Men efter att ha gjort uppdraget berättar eleverna upprepade gånger att de har blivit förvånade över de potentialer som denna process låste upp.

det antas ofta att visionen är omedelbar. Det verkar direkt, okomplicerad, och momentan—vilket är varför det har utan tvekan blivit master känsla för leverans av information i den samtida tekniska världen. Men vad eleverna lär sig på ett visceralt sätt i denna uppgift är att i alla konstverk finns det detaljer och order och relationer som tar tid att uppfatta. Jag gjorde denna tre timmars övning själv på denna målning som förberedelse för min egen forskning om Copley. Och det tog mig lång tid att se några av de viktigaste detaljerna som så småningom blev centrala för min tolkning och mitt publicerade arbete med målningen.

bara några exempel från den första timmen av mitt eget experiment: Det tog mig nio minuter att märka att formen på pojkens öra exakt ekar ruffens form längs ekorrens mage—och att Copley gjorde någon form av koppling mellan djuret och människokroppen och den sensoriska kapaciteten hos var och en. Det var 21 minuter innan jag registrerade det faktum att fingrarna som håller kedjan exakt spänner över vattenglasets diameter under dem. Det tog bra 45 minuter innan jag insåg att de till synes slumpmässiga vikarna och rynkorna i bakgrundsgardinen faktiskt är perfekta kopior av pojkens öra och ögon, som om Copley hade föreställt sig de sensoriska organen som distribuerade eller präglade sig på ytan bakom honom. Och så vidare.

vad denna övning visar eleverna är att bara för att du har tittat på något betyder det inte att du har sett det. Bara för att något är tillgängligt direkt för synen betyder det inte att det är tillgängligt direkt för medvetandet. Eller, i något mer allmänna termer: tillgång är inte synonymt med lärande. Det som förvandlar tillgång till lärande är tid och strategiskt tålamod.konsthistorikern David Joselit har beskrivit målningar som djupa reservoarer av tidsmässig erfarenhet—”tidsbatterier” – ”orimliga lager” av erfarenhet och information. Jag föreslår att detsamma gäller för allt som en student kanske vill studera vid Harvard University – en stjärna, en sonett, en kromosom. Det finns oändliga djup av information när som helst i elevernas utbildning. De behöver bara ta sig tid att låsa upp den rikedomen. Och det är därför, för mig, den här lektionen om konst, vision och tid går långt utöver konsthistoria. Det fungerar som en masterlektion i värdet av kritisk uppmärksamhet, patientundersökning och skepticism om omedelbara ytuppträdanden. Jag kan tänka på få färdigheter som är viktigare i det akademiska eller medborgerliga livet under det tjugoförsta århundradet.

retardation är då en produktiv process, en form av skicklig oro som kan orientera studenter på kritiska sätt till den samtida världen. Men jag vill också hävda att det är en viktig färdighet för förståelsen och tolkningen av den historiska världen. Nu ska vi gå in i konsthistorielektionen, som är en lektion om de formativa krafterna för fördröjning i världshistorien.

Jag har valt Copleys arbete att diskutera idag eftersom det faktiskt har en betydande pedagogisk resonans. Det är i huvudsak ett exempel på artonhundratalet distansutbildning. År 1765 gjorde Copley mycket bra som den bästa porträttmålaren i Nordamerika. Men han kände sig strandad i Bakvattenkolonin Boston, tusentals mil från närmaste konstakademi. Han var helt klart en begåvad målare, men han hade mestadels självlärd, och han längtade efter att få en chans att lära av målningen superstjärnor i academic center Of London. Så han bestämde sig för att försöka öppna en korrespondenskurs av sorter. Och för att börja korrespondensen målade han den här bilden, packade den i en låda, gick ner till Boston Harbor, lade den på ett fartyg, gick tillbaka till sin studio och väntade på att se vilken typ av feedback han kunde få om sitt arbete från London.

Han var tvungen att vänta mycket länge.det tog ungefär en månad för målningen att göra korsningen till London, och sedan satt den fast i flera veckor i tullen, och sedan väntade det några veckor innan det kunde gå på utställning, och sedan skrev en vän till Copley ett brev till honom som förmedlade några av de saker han hade hört akademikerna säga. Han väntade länge på att skicka den, då tog det nästan åtta veckor (seglar nu mot strömmen) att återvända till Boston på ett annat fartyg. Sammantaget handlade det om 11 månader innan Copley kunde öppna sin väns brev och lära sig att målare i London tyckte att hans arbete i allmänhet var underbart men att det led av att vara ganska ”för liney”—och att Copley kan överväga att korrigera det felet. Copley var osäker på exakt vad det innebar, och skickade ett annat brev som bad sin vän att fråga vidare i frågan. Detta blev typiskt för hans långdistansutbildning.

nu är människorna i det här rummet som har erfarenhet av pedagogisk feedbackteori förmodligen förskräckta. I själva verket, när det gäller utbildningsvetenskap, skulle denna agoniserande långsamma svarstakt identifieras, tror jag, som ”icke-formativ” feedback. Och ändå skulle jag vilja föreslå att långsamhet inte nödvändigtvis är ”icke-formativ”—i själva verket är det i denna målning grundligt formativt. Låt mig vara tydlig att jag inte argumenterar för att vi ska vänta 11 månader för att returnera papper. Jag pratar på ett mer allmänt sätt om behovet av att förstå att förseningar inte bara är inerta hinder som förhindrar produktivitet. Förseningar kan själva vara produktiva.

Vi kan se detta direkt i målningen, som är full av anspelningar på tid, avstånd och tålamod. Målningen handlar om sin egen patientpassage genom tid och rum. Titta på ekorren. Som den konstiga formen på magpälsen indikerar, om man tar tid att märka det, är det inte bara någon ekorre utan en flygande ekorre, en art som är infödd i Nordamerika med uppenbara tematiska resonanser för temat resor och rörelse. (Verkets fullständiga titel är en pojke med en flygande ekorre.) Dessutom var ekorrar i målning och litteratur allmänt förstådda som emblem av flit och tålamod. Sedan: glaset med vatten och handen. Under hans långa karriär är detta det enda glas vatten som Copley någonsin inkluderat i en målning. Varför? Tja, för en sak framkallar detta motiv passagen av en sensorisk kedja över en vattenkropp och presenterar därmed i mikrokosmos själva målningens situation eller uppgift. Eller tänk på porträttets profilformat-ovanligt för Copley. Det visar sig att profilformatet under artonhundratalet var mycket starkt förknippat med uthållighet i tid och rum. Var var man mest sannolikt att se en profil? På ett mynt. Vad är ett mynt? I huvudsak är ett mynt ett verktyg för att överföra värde genom rymden och tiden på det mest stabila sättet. Mynt är tekniker för att spänna över tid och avstånd, och Copley lånar från dessa föreningar för en målning som försöker göra samma sak.

Copleys målning är med andra ord en utföringsform av de förseningar som den skapades för att uthärda. Om Copley hade haft omedelbar tillgång till sina instruktörer i London, om det hade varit en edX-kurs som gavs av Royal Academy, skulle han inte ha tvingats måla som han gjorde. Ändra takten i utbytet skulle ha ändrat form och innehåll i utbytet. Denna speciella målning skulle helt enkelt inte existera. Denna målning bildas av förseningar, inte trots det.

och det här är faktiskt en lektion med mycket bredare konsekvenser för alla som är involverade i historiens undervisning eller lärande. Under de tusentals år av mänsklig historia som föregick vårt nuvarande ögonblick av omedelbar kommunikation vävdes själva strukturen av mänsklig förståelse till viss del av fördröjning, försening, väntan. Alla föremål gjordes av långsam tid på det sätt som Copleys målning konkretiserar sin egen förseningssituation. Jag tror att om vi vill lära oss historia på ett ansvarsfullt sätt måste vi ge eleverna möjlighet att förstå de formativa värdena för tid och fördröjning. Undervisningen i historia har länge uppfattats som att lära eleverna att föreställa sig andra tider; nu kräver det också att de förstår olika temporaliteter. Så tiden är inte bara ett negativt utrymme, en passiv paus som ska övervinnas. Det är en produktiv eller formativ kraft i sig.

Med tanke på allt detta vill jag avsluta med några tankar om att lära ut tålamod som en strategi. Det avsiktliga engagemanget av förseningar bör i sig vara en primär färdighet som vi lär ut till studenter. Det är en mycket gammal uppfattning att tålamod leder till skicklighet, naturligtvis—men det verkar brådskande nu när vi går längre än detta och tänker på tålamod själv som den färdighet som ska läras. Beviljas-tålamod kan vara en ganska svår försäljning som en pedagogisk leverans. Det låter nostalgiskt och gratis traditionellt. Men jag skulle hävda att när tidens form har förändrats runt den, har betydelsen av tålamod idag vänt sig från sina ursprungliga konnotationer. Dygden av tålamod var ursprungligen förknippad med tålamod eller lidande. Det handlade om att anpassa sig till behovet av att vänta på saker. Men nu när man i allmänhet inte behöver vänta på saker blir tålamod ett aktivt och positivt kognitivt tillstånd. Där tålamod en gång indikerade brist på kontroll, är det nu en form av kontroll över tempot i det samtida livet som annars styr oss. Tålamod betyder inte längre maktlöshet – kanske är tålamod makt.

om ”tålamod” låter för gammaldags, låt oss kalla det ”time management” eller ”temporal intelligence” eller ”massive temporal distortion engineering.”Hur som helst är en medvetenhet om tid och tålamod som ett produktivt medium för lärande något som jag tycker är brådskande att modellera för—och förvänta mig av—mina elever.