Malerei

Malerei war die visuelle Kunstform, die im neuen Zeitalter die vielfältigsten Möglichkeiten bot und in der Tat der bemerkenswerteste Bereich der Leistung. Eine Aufschlüsselung der vergleichsweise starren Linien, die zuvor die verschiedenen Malstile definiert hatten, begann in der Muromachi-Zeit und setzte sich im Momoyama fort. Die Kanō-Schule entwickelte zwei unterschiedliche Stile: eine mit hellen, deckenden Farben auf Gold- oder Silberhintergründen, die brillant helle Farben und kräftige Pinselführung verschmelzen, und die andere eine freihändigere, manieriertere und mutigere Interpretation traditioneller monochromer Tintenmotive. Andere Schulen variierten diese beiden Stile in unverwechselbare Linienstimmen, aber die Kanō-Gruppe unter Eitoku dominierte die Zeit durch reines Talent und durch die Anhäufung wichtiger Aufträge.Bei Eitokus Tod entstanden mehrere andere Figuren, die entweder in sekundärer Zusammenarbeit oder in Konkurrenz mit dem Kanō-Atelier gearbeitet hatten, als starke individualistische Maler. Kaihō Yūshō wurde wahrscheinlich im Kanō-Studio ausgebildet, aber sein eigenständiger Stil, der sich am charakteristischsten in reich nuancierter Tinte auf Gold- oder Silberhintergrund zeigte, verdankte er einem sorgfältigen Studium der Zen-Malerei. Hasegawa Tōhaku kam von der Noto-Halbinsel im Norden am Japanischen Meer (Ostmeer) in Kyōto an. Seine Ausbildung war durch und durch vielseitig, mit Erfahrung in buddhistischen polychromen Themen, Porträtmalerei, und Tinte monochrom. Durch die Büros des Teemeisters Sen Rikyū erhielt Tōhaku Zugang zu wichtigen Sammlungen chinesischer Malerei, die die Muromachi-Ästhetik stark beeinflusst hatten. Seine anerkannten Meisterwerke sind sowohl im ausgewachsenen, aber fein nuancierten polychromen Stil als auch im subtileren, kontemplativeren Tintenmonochrom-Format. Der letztere Stil wird durch die eindringlich dargestellten Kiefern veranschaulicht, die von einem Nebel verdeckt werden, den er auf ein Paar sechsfacher Bildschirme malte. Letztendlich Individualisten ohne langfristige signifikante Schulfolge, Yūshō und Tōhaku dennoch ein brillantes Gefühl der kreativen Variation der Kanō-Dominanz.Das Thema, das von den militärischen Gönnern bevorzugt wurde, war kühn und aggressiv, wie offen in Gemälden von Raubvögeln, Löwen und Tigern vorgeschlagen. Etwas subtilere, aber ebenso durchsetzungsfähige Darstellungen majestätischer Felsen oder Bäume waren ebenfalls beliebt. Einige konfuzianische Themen, die die Ideologie widerspiegelten, die unter der Tokugawa-Herrschaft noch stärker bevorzugt werden würde, tauchten auf. Ein weiteres Thema, das von Herrschern und Stadtbewohnern befürwortet wurde, war ein Stil der Genremalerei, der den neuen Wohlstand und die Stabilität sowohl in der Stadt als auch in der Landwirtschaft feierte. Panoramische und sorgfältig detaillierte Leinwandbilder zeigten das geschäftige Leben von Kyōto, das aus der Zerstörung des Bürgerkriegslebens hervorging. Die Beobachtung von Wohlstand und Vergnügungssuche brachte einen Stil der Genremalerei hervor, der sich während der Edo-Zeit zu ganz speziellen Beobachtungen der Vergnügungsviertel der städtischen Zentren entwickelte.

Ein aberrationales, aber sehr interessantes thematisches Zwischenspiel beinhaltete die Anwesenheit iberischer Kaufleute, Diplomaten und Missionare. Diese Westler waren Teil der riesigen Explorations-, Handels- und Kolonialisierungsbemühungen, die Südamerika, Afrika sowie Süd- und Südostasien erreichten. Von der ersten Ankunft der Ausländer 1543 bis zu ihrer Vertreibung in den 1630er Jahren gab es eine bescheidene kulturelle Übertragung. Während dieser Zeit beauftragten die Japaner liturgische Geräte aus dem Westen und erwarben eine Ausbildung in westlichen Maltechniken. Vielleicht am denkwürdigsten wurde es in Mode, westliche Themen und Bildschirmpanoramen der Ausländer darzustellen, die in verschiedenen japanischen Umgebungen aktiv waren – in den Straßen von Kyōto spazieren gehen oder in Galeonen in Häfen ankommen. Im Gegensatz zu Gemälden mit japanischen oder chinesischen Themen, die von rechts nach links gelesen werden, ist eine aufschlussreiche Kuriosität dieser Bildschirme, dass sie von links nach rechts gelesen werden, was durch Komposition darauf hindeutet, dass die Ausländer abreisen würden. Diese Exposition gegenüber dem Westen scheint wenig langfristige Auswirkungen auf die japanische bildende Kunst gehabt zu haben. (Später jedoch über die niederländische Handelssiedlung in Deshima im Hafen von Nagasaki machten westliche Kupferplatten, chinesische Adaptionen westlicher Kunstwerke und Techniken sowie andere sekundäre Ausdrucksformen japanische Künstler auf Techniken wie Schattierung, Modellierung und Einzelpunktperspektive aufmerksam.) Die iberische Präsenz ist ein markantes Beispiel für den Geist der Momoyama-Zeit. Solch große kulturelle Vielfalt, Neugier und Experimente wurden nicht länger toleriert, als der Tokugawa-Clan die Vereinigung und Zentralisierung der politischen Führung vollendete.

Wenn die Kanō-Schule und verwandte Interpreten die Themen und Stile der Muromachi-Zeit weiterentwickelten, um den expansiven Sensibilitäten der neuen herrschenden Klasse und neuen sozialen Phänomenen im Allgemeinen gerecht zu werden, bot eine weitere Ausrichtung des künstlerischen Talents eine Überprüfung der Themen und Ausdrucksweisen des Heian-Hofes. Die Renaissance des höfischen Geschmacks experimentierte mit Wort und Bild, vermischte Poesie, Malerei oder Design, üppige Dekorpapiere, die an berühmte weltliche und religiöse Werke von Heian erinnerten, und unzählige narrative Illustrationen oder Anspielungen auf die Geschichten von Ise und auf die Geschichte von Genji. Während der späten Momoyama- und frühen Edo-Zeit begann sich ein kanonischer Körper oder Bestand standardisierter klassischer Illustrationen zu vereinigen.

Die höfischen Themen wurden von allen Schulen angegangen, aber vielleicht am effektivsten durch die kreative Partnerschaft von Hon’ami Kōetsu und Tawaraya Sōtatsu. Obwohl sie streng genommen die meisten ihrer größten Werke in der Edo-Zeit schufen, entwickelten Sōtatsu und Kōetsu ihre ästhetischen Sensibilitäten in Kyōto während der Momoyama-Zeit, und die Inspiration für ihre späteren Werke liegt in der großen kreativen Freiheit, die für diese Zeit charakteristisch ist.

Kōetsu wuchs in einer Familie von Schwertexperten auf, eine Disziplin, die umfangreiche Kenntnisse über Lack, Metall und Leder erforderte. Es implizierte ein Auge, das genau auf zarte Nuancen abgestimmt war, um die Arbeit einer Klinge zu erkennen. Kōetsu erweiterte seine Interessen und seine Ausbildung um Kalligraphie und Keramik. Er fungierte als Impresario und brachte talentierte Handwerker und Künstler zusammen, um an Projekten zu arbeiten. Keiner war zentraler und mit seinem Ruf verflochten als Sōtatsu, ein Maler der Fans. Beide Männer, insbesondere Kōetsu, hatten ausgezeichnete Verbindungen zur Aristokratie, stammten jedoch aus Handwerker- oder Kaufmannsfamilien. In Zusammenarbeit mit Kōetsu als Kalligraph schufen sie Gemälde und dekorative Hintergründe, die an die reiche undurchsichtige Textur eines früheren illuminierten Sutra-Stils erinnerten. Während beide Männer in anderen Zusammenhängen die Beherrschung der monochromen Tintenform demonstrierten, wiesen ihre Arbeiten in Polychromie eine Eigenschaft auf, die für ihre Anhänger während der gesamten Edo-Zeit charakteristisch sein würde: Ihre Bilder werden durch Anordnungen von Farbmustern gebildet, anstatt durch Tintenkonturen definiert und mit Farbe verziert zu werden. Tinte wurde sparsamer und anspielungsreicher verwendet als beispielsweise von den Kanō-Malern. Der Effekt war weich, texturiert und suggestiv für textile Muster. Sōtatsus üppiges Leinwandbild, das die Szene in der Matsushima-Bucht an der nordöstlichen Pazifikküste Japans beschreiben soll, ist eine hervorragende Aussage über elementare Kraft, die in einem dekorativen Modus ausgedrückt wird. Der Bezug auf die verschiedenen Ebenen der chinesischen Malerei — nah, mittel und fern — wurde weitgehend aufgegeben, da die Darstellung der Oberfläche eines Materials zum Hauptanliegen wurde.Sōtatsu und Kōetsu arbeiteten in Zusammenarbeit mit dem wohlhabenden Kaufmann Suminokura Soan, beginnend im Jahre 1604, um Bilder und Kalligraphie für eine Reihe von Luxus-Edition gedruckte Bücher mit Renderings von klassischen und Noh Drama Texte zu produzieren. Diese Zusammenarbeit war die früheste und eine der schönsten Bemühungen um eine breitere Verbreitung der japanischen Klassiker an ein zunehmend gebildetes Publikum. Die Energien und Talente, die diese Männer und ihre Anhänger in die japanische bildende Kunst einfließen ließen, waren durch und durch einzigartig. Es kann jedoch vorgeschlagen werden, dass ihre anfängliche Ausbildung in anderen Kunstformen als der Malerei der Malwelt neuen Pragmatismus und Perspektive brachte.