Letztes Jahr, als die Mitarbeiter des V&A seine große Retrospektive von Mary Quant recherchierten, die nächsten Monat eröffnet wird, starteten sie eine #WeWantQuant-Kampagne, die die Öffentlichkeit für Kleidung anspricht, die sie möglicherweise ausleihen oder spenden möchten. „Wir waren überwältigt“, erinnert sich die Co-Kuratorin der Ausstellung, Jenny Lister: „Wir hatten mehr als tausend E–Mails von Frauen – einige Freunde von Quant und Mitglieder des böhmischen Kreises, zu dem sie gehörte – aber die meisten waren gewöhnliche Frauen. Ehemalige Schüler, Lehrer und Krankenschwestern – einige haben sich von San Francisco und Australien aus mit uns in Verbindung gesetzt.“ Eine Frau – und das bringt Lister zum Lachen vor Freude – beschrieb, wie sie ihr Quant-Kleid in die Antarktis brachte, um es am Südpol zu tragen. Einige haben an ihrem Make-up festgehalten (wie der Ehemann und Geschäftspartner von Eyeshadows Quant, Alexander Plunket Greene, der fröhlich „Jeepers Peepers“ genannt wird). Die kollektive Botschaft war, dass Quants Kleidung mehr als nur Kleidung war, sie waren wertvolle Hinweise auf die Vergangenheit. Am Ende konnte das Museum nur Platz für die Angebote von 30 Frauen schaffen (vier davon werden unten interviewt). Aber für alle, die die Quant-Ära durchlebt haben, wird diese Show eine Form der Zeitreise sein – zurück in die 60er und 70er Jahre und die coolsten Nachnamen (das Q hatte ein großes Lob) und das einfache Gänseblümchen-Logo, das weiter blühte.

In einem neuen Vorwort zu ihrer ersten Autobiografie Quant by Quant (1966) erinnert sich Mary Quant: „Das Leben war ein Wahnsinn! Es war so lustig und unerwartet wunderbar trotz, oder vielleicht wegen seiner Intensität … wir hatten so viel Glück mit unserem enormen Glück und Timing. Wir haben auch gefeiert – es gab keine wirklichen Grenzen.“ Ihr schriftlicher Stil – Einfallsreichtum – passte zu ihrer Kleidung. Für Quant war Mode „ein Spiel“ und ihr Sohn Orlando (der in den Katalog von V&A schreibt) erkennt den Spaß an, den seine Eltern hatten, nachdem sie sich als Kunststudenten bei Goldsmiths kennengelernt hatten. Er erinnert sich, wie sein Vater das Leben „aufrührerisch aufregend“ gemacht hat. Er erinnert sich an Leute, die sagten: „Aber Maria, das kannst du nicht …“ (eine Einladung, weiterzumachen). Er argumentiert auch, dass die Entwürfe seiner Mutter ernster waren als ihre bescheidene Darstellung von ihnen, dass sie eine „Attitüdenrevolution hervorbrachten, die viel mehr veränderte als die Mode“.

Mit 89 Jahren hält Quant immer noch an ihrer ursprünglichen Linie fest. „Ich habe es geliebt, die Kleidung zu tragen, die ich für gleichgesinnte Freunde und für mich selbst entworfen habe“, erzählt sie mir per E-Mail. „Sie spiegelten das Gefühl der Freiheit wider, das wir damals empfanden – kürzere Röcke ermöglichten Mobilität, Laufen, Springen und Spaß haben. Da ich mich schnell langweilte, suchte ich immer nach frischen Inspirationen, also wenn sie an mir arbeiteten, dann würden sie Mode für alle liefern, die das Styling, die verrückten Accessoires und die Kosmetik genossen.“

Lister betont Quants Weitsicht: „Sie benutzte Kleidung, um zu demonstrieren, dass der Wandel kommen würde. In der Mode ging es nicht mehr um Couture, sondern darum, Individualität auszudrücken.“

Sie sah, dass Mode „antizipiert“ und ihre Designrevolution aus einem tristen Nachkriegs-Großbritannien am Rande des sozialen Wandels hervorging. Quant wurde eine Persönlichkeit des öffentlichen Lebens und drückte, wie Lister sagt, „die Art und Weise aus, wie sich das Leben von Frauen von traditionellen Stereotypen trennte. Ihre Kleidung bot eine Sprache, um die Ermächtigung von Frauen in einer Zeit auszudrücken, in der Wörter wie Sexismus kaum erfunden worden waren.“ Die Entwürfe waren auch Quants persönliche Rebellion, ihre Art, es zu vermeiden, Gymnasiallehrerin zu werden (das Schicksal, das sich ihre Eltern mit Universitätsabschluss, die aus walisischen Bergbaufamilien stammten, für sie vorgestellt hatten, als sie sie in Blackheath, London, großzogen).

Quant wurde Lehrling bei einem Mayfair Milliners, nachdem er Goldsmiths verlassen hatte. Bazaar, ihr erster Laden, wurde 1955 an der Ecke Markham Square und King’s Road in Chelsea eröffnet, aber in den 60er Jahren startete die Marke scheinbar unaufhaltsam. Es war eine Zeit, in der sich alles um Energie drehte – sowohl in der Kunst als auch in der Mode. Lister schlägt vor, dass Quants „Großzügigkeit und der Drang, Mode durch Massenproduktion zugänglich zu machen, eine bessere Lebensqualität widerspiegeln, die in der Nachkriegszeit verfügbarer wird. Ihre Kleidung, als sie weit verbreitet wurde, drückte die Störung der Klassenhierarchie sowie der Geschlechterrollen aus.“Ein Teil der Stärke der Marke Quant bestand darin, dass sie so viel selbst modellierte (wie Coco Chanel und Elsa Schiaparelli vor ihr – beide waren Inspirationen).

Fotos von Quant mit ihrem 1920er-Jahre-Haar zeigen, wie sie die obere Hälfte einer Frau gerne zurückhaltend hielt: Bubikragen, Rollkragen, Reißverschlüsse. Ausschnitte nie vorgestellt. Die Modelle sind alle Bein und Haltung und neckende Saumlinien; sie hatten eine spielerische, gamine Qualität – eine Freiheit.

„Sie wollte nicht erwachsen werden“, sagt Lister, „die Kleidung wollte die Kindheit am Laufen halten, aber das wurde zu einer neuen Art von Sexiness, die von ihr definiert wurde.“

Bei der Erfindung des Minirockes teilt sich Quant die Ehre mit dem französischen Designer André Courrèges. Einige bestehen darauf, dass er 1964 zuerst dort ankam, aber es war Quant, der den Minirock – und die Hotpants – auf die Straße brachte. In ihrer Autobiografie gibt es eine amüsante Anekdote über eine Reise, die sie in den frühesten Tagen der Marke in ein Hotel in Malta unternommen hat (um sich von Überlastung zu erholen). Sie trug einen Minirock, bevor sie in London aufgenommen worden waren, geschweige denn in Malta: „Die Frauen starrten mich an. Die Männer versuchten mich abzuholen.“

Noch ein oder zwei Jahre, und so erinnert sich Alexandra Pringle, jetzt Chefredakteurin des Bloomsbury Publishing House (zitiert im Katalog), an den Überschwang der King’s Road: „Große Schlapphüte, dünne gerippte Pullover, Schlüssellochkleider, breite Hipster-Gürtel … weiße Lippen und dicker schwarzer Eyeliner, Haare in alarmierenden Winkeln geschnitten, Op-Art-Ohrringe und knöchellange weiße Stiefel.“

Und vergessen wir nicht, die wunderschönen farbigen Strumpfhosen zu erwähnen (die Quant Pionierarbeit leistete und die dank der Miniröcke einen zusätzlichen Auftritt bekamen), die PVC-Zip-Up–Macs in Purpur und Rot, die Kleider, die spielerisch an Herrenanzügen feilten – alle waren von Humor und Klassenlosigkeit geprägt.

Die Klamotten waren nicht billig – sie kosteten ungefähr doppelt so viel, wie man bei Marks bezahlen würde & Spencer – aber sie waren auch keine Couture. Quant glaubte an Mode für die Massen – man konnte ihre Designs sogar selbst aus Butterick-Mustern nähen. Ab 1962 wurden ihre Kleidungsstücke in demokratischen Vielfachen von 1.000 Stück hergestellt, aber viele der Details schienen überhaupt keine Massenware zu sein: groovige Reißverschlüsse, kontrastierende Obernähte, sich verjüngende Ärmel. Im Jahr 1963 kostete ein „Snob“ –Trägerkleid sechs Guineen – das entspricht etwas mehr als £ 100. Das waren Wohlfühldesigns für Frauen – um ihnen Freiheit zu geben, um ihr Leben zu verbessern.

Trotzdem war ihre Kleidung nicht freundlich zu den Kurvenreichen. „Für Frauen, die während des Krieges auf einer Kriegsdiät aufgewachsen waren, funktionierten diese Kleider“, sagt Lister und dehnt möglicherweise einen Punkt aus. Sie fügt hinzu, dass Quant „der Persönlichkeit schmeicheln und Funktionalität lieben wollte“ (sie sagte einmal, sie wünschte, sie hätte Jeans erfunden).

Es mag kontraintuitiv erscheinen, auf einen Designer zurückzublicken, der sich immer auf das Nächste konzentrierte. Aber das V&Eine Retrospektive wird zeigen, wie unheimlich zeitgenössisch Quant bleibt – und auch gewagt. Wie Peter Pan werden ihre Kleider nicht alt.

Lister sagt auf die Frage nach ihrem Vermächtnis: „Sie würden kein Augenlid schlagen, wenn jetzt jemand Mary Quant tragen würde. Ihre Haltung lebt definitiv in Londons jungen Designern weiter und hält London als Zentrum respektloser, energischer, Streetstyle-inspirierter Mode auf der Landkarte. Und wenn Sie sich jetzt die Arbeit junger britischer Designerinnen wie Molly Goddard oder Simone Rocha ansehen, verkörpern ihre Entwürfe das weibliche Unternehmertum und den Geist des Risikos, der Innovation und des Spaßes, die im Mittelpunkt von Quants Arbeit standen.“So schwärmte Women’s Wear Daily, die Bibel der amerikanischen Modeindustrie, von Quant in ihrer Blütezeit: „Diese Briten haben einen massiven Ansturm von Talent, Charme und brandneuen Ideen. Englischer Chic ist JETZT heftig.“

Mit Quant, dann und jetzt entpuppen sich die gleiche Sache zu bedeuten.

Mary Quant, gesponsert von King’s Road, ist vom 6. April 2019 bis zum 16. Februar 2020 auf der V&A