Pintura

La pintura fue la forma de arte visual que ofreció las más variadas oportunidades en la nueva era y, de hecho, el área más notable de logros. Un desglose de las líneas comparativamente rígidas que habían definido previamente los diversos estilos de pintura comenzó en el período Muromachi y continuó en el Momoyama. La escuela Kanō desarrolló dos estilos distintivos: uno con colores brillantes y opacos sobre fondos dorados o plateados, que fusionan brillantemente colores brillantes y pinceladas audaces, y el otro una interpretación más libre, educada y audaz de temas monocromos de tinta tradicionales. Otras escuelas variaron estos dos estilos en voces de linaje distintivas, pero el grupo Kanō bajo Eitoku dominó el período a través de su talento y acumulando importantes encargos.

A la muerte de Eitoku, varias otras figuras que habían trabajado en colaboración secundaria o en competencia con el taller Kanō surgieron como fuertes pintores individualistas. Kaihō Yūshō probablemente se formó en el estudio Kanō, pero su estilo independiente, más característico revelado en tinta ricamente matizada monocromática sobre fondo dorado o plateado, debía mucho a un cuidadoso estudio de la pintura Zen. Hasegawa Tōhaku llegó a Kyōto desde la región de la Península de Noto al norte en el Mar de Japón (Mar del Este). Su formación fue completamente ecléctica, con experiencia en temas policromáticos budistas, retratos y tinta monocromática. A través de las oficinas del maestro del té Sen Rikyū, Tōhaku obtuvo acceso a importantes colecciones de pintura china que habían influido en gran medida en la estética Muromachi. Sus obras maestras reconocidas están en el estilo policromado completo pero delicadamente matizado y en el formato monocromático de tinta más sutil y contemplativo. Este último estilo se ejemplifica en los inquietantemente representados pinos oscurecidos por una niebla que pintó en un par de biombos de seis caras. En última instancia, individualistas sin seguidores significativos a largo plazo en la escuela, Yūshō y Tōhaku, sin embargo, proporcionaron un brillante sentido de variación creativa al dominio Kanō.

El tema preferido por los patrones militares era audaz y agresivo, como se sugiere abiertamente en las pinturas de aves rapaces, leones y tigres. También eran populares las representaciones un poco más sutiles pero igualmente asertivas de majestuosas rocas o árboles. Algunos temas confucianos, que reflejaban la ideología que se favorecería aún más con más fuerza bajo el gobierno Tokugawa, comenzaban a aparecer. Otro tema respaldado por los gobernantes y la gente del pueblo fue un estilo de pintura de género que celebraba la nueva prosperidad y estabilidad, tanto urbana como agraria. Las pinturas de pantalla panorámicas y cuidadosamente detalladas mostraban la bulliciosa vida de Kyōto que emergía de la destrucción de la vida de la guerra civil. La observación de la prosperidad y la búsqueda del placer generaron un estilo de pintura de género que se desarrolló durante el período Edo en observaciones bastante especializadas de los barrios de placer de los centros urbanos.

Un interludio temático aberracional pero de gran interés involucró la presencia de mercaderes ibéricos, diplomáticos y misioneros. Estos occidentales fueron parte de la vasta exploración, el comercio y el esfuerzo de colonización que llegó a América del Sur, África y el Sur y sudeste de Asia. Desde el momento de la primera llegada de los extranjeros en 1543 hasta su expulsión en la década de 1630, hubo una modesta transmisión cultural. Durante este tiempo, los japoneses encargaron implementos litúrgicos de Occidente y adquirieron cierta formación en técnicas de pintura occidentales. Quizás lo más memorable fue que se puso de moda representar temas occidentales y panoramas de pantalla de extranjeros activos en diversos entornos japoneses, caminando por las calles de Kyōto o llegando a los puertos en galeones. A diferencia de las pinturas con temas japoneses o chinos, que se leen de derecha a izquierda, una curiosidad reveladora de estas pantallas es que se leen de izquierda a derecha, lo que sugiere por composición que los extranjeros se marcharían. Esta exposición a Occidente parece haber tenido poco efecto a largo plazo en las artes visuales japonesas. (Más tarde, sin embargo, a través del asentamiento comercial holandés en Deshima en el puerto de Nagasaki, las placas de cobre occidentales, las adaptaciones chinas de obras de arte y técnicas occidentales y otras expresiones secundarias hicieron que los artistas japoneses fueran más conscientes de técnicas como el sombreado, el modelado y la perspectiva de un solo punto. La presencia ibérica es un ejemplo llamativo del espíritu de la época Momoyama. Tanta variedad cultural, curiosidad y experimentación ya no se toleraron cuando el clan Tokugawa completó la unificación y centralización del liderazgo político.

Si la escuela Kanō y los intérpretes relacionados avanzaron los temas y estilos del período Muromachi para acomodar las sensibilidades expansivas de la nueva clase dominante y los nuevos fenómenos sociales en general, otra alineación de talento artístico ofreció una reexaminación de los temas y modos expresivos de la corte Heian. El renacimiento del gusto cortesano experimentó con la palabra y la imagen, mezclando poesía, pintura o diseño, exuberantes papeles decorativos que recuerdan a famosas obras seculares y religiosas Heian, e innumerables ilustraciones narrativas o referencias alusivas a los Cuentos de Ise y al Cuento de Genji. Fue durante los últimos períodos de Momoyama y principios de Edo que un cuerpo canónico o stock de ilustraciones clásicas estandarizadas de referencia comenzó a fusionarse.

Los temas cortesanos fueron abordados por todas las escuelas, pero quizás de manera más efectiva por la asociación creativa de Hon’ami Kōetsu y Tawaraya Sōtatsu. Aunque, estrictamente hablando, crearon la mayoría de sus mejores obras en el período Edo, Sōtatsu y Kōetsu desarrollaron su sensibilidad estética en Kyōto durante el período Momoyama, y la inspiración para sus obras posteriores se puede encontrar en la gran libertad creativa característica de esa época.

Kōetsu se crió en una familia de expertos en espadas, una disciplina que requería un amplio conocimiento de laca, metal y cuero. Implicaba un ojo agudamente sintonizado con delicados matices para discernir el funcionamiento de una hoja. Kōetsu amplió sus intereses y formación para incluir caligrafía y cerámica. Trabajó como empresario, reuniendo a talentosos artesanos y artistas para trabajar en proyectos. Ninguno de ellos era más central y estaba más entrelazado con su reputación que Sōtatsu, un pintor de fans. Ambos hombres, especialmente Kōetsu, tenían excelentes conexiones con la aristocracia, pero provenían de familias de artesanos o comerciantes. Trabajando en colaboración, con Kōetsu actuando como calígrafo, crearon pinturas y fondos decorativos que recordaban la rica textura opaca de un estilo de sutra iluminado anterior. Mientras que ambos hombres, en otros contextos, demostraron dominio de la forma monocromática de la tinta, sus obras en policromía presentaron un rasgo que sería característico de sus seguidores a lo largo del período Edo: sus imágenes se forman a través de arreglos de patrones de color en lugar de estar definidas por contornos de tinta y adornadas con color. La tinta se usaba con más moderación y alusión que, por ejemplo, los pintores Kanō. El efecto era suavizante, texturizado y sugestivo de patrones textiles. La exuberante pintura de pantalla de Sōtatsu, que se dice que describe la escena en la bahía de Matsushima, en la costa del Pacífico noreste de Japón, es una magnífica declaración de poder elemental en un modo decorativo. La referencia a los diversos planos de la pintura china—cerca, media y lejana distancia—se abandonó en gran medida, ya que la exposición de la superficie de un material se convirtió en la principal preocupación.

Sōtatsu y Kōetsu trabajaron en colaboración con el rico comerciante Suminokura Soan, a partir de 1604, para producir imágenes y caligrafía para una serie de libros impresos de edición de lujo con representaciones de textos dramáticos clásicos y Noh. Esta colaboración marcó el primer y uno de los esfuerzos más hermosos para una difusión más amplia de los clásicos japoneses a un público cada vez más alfabetizado. Las energías y talentos que estos hombres y sus seguidores infundieron en las artes visuales japonesas eran completamente únicos. Se puede sugerir, sin embargo, que su formación inicial en formas de arte distintas de la pintura trajo un nuevo pragmatismo y perspectiva al mundo de la pintura.