Octobre est défini dans le dictionnaire de Webster comme « 31 jours d’horreur. »Ne vous embêtez pas à le regarder; c’est vrai. La plupart des gens considèrent que cela signifie mettre en évidence un film d’horreur par jour, mais ici à FSR, nous avons relevé cela d’un cran effrayant ou neuf en célébrant chaque jour avec une liste des dix premiers. Cet article sur les meilleurs films d’horreur silencieux fait partie de notre série en cours 31 Jours de listes d’horreur.

L’histoire du cinéma d’horreur est l’histoire du cinéma lui-même. Avec Le Manoir du Diable de Georges Méliès (1896) communément cité comme le premier film d’horreur, c’est un genre avec plus d’un siècle de sensations fortes et de frayeurs. Au fur et à mesure que les années passaient et que la réalisation de longs métrages devenait de plus en plus réalisable et répandue, les films d’horreur devenaient de plus en plus longs et de plus en plus motivés par l’intrigue ainsi que par des spectacles effrayants. La plupart des célébrations de l’horreur classique mettent à juste titre en valeur des joyaux du cycle des monstres universels, du cinéma Giallo et des premiers slashers, mais même cela n’est pas toute l’histoire. À l’époque du muet, le cinéma d’horreur nous a fourni des adaptations époustouflantes, des récits originaux choquants et des histoires de terreur de premier ordre.

En choisissant la crème de la crème dans silent horror, nous nous sommes retrouvés avec une sélection monstrueusement riche, avec des goules horribles, des tueurs vengeurs et des rebondissements déchirants. Pour le dire simplement: ces films emblématiques ont produit certains des repères les plus effrayants du siècle dernier du cinéma. Aucun son nécessaire.

Rejoignez-nous pour réfléchir aux meilleurs films d’horreur muets, comme l’ont décidé Chris Coffel, Valerie Ettenhofer, Kieran Fisher, Brad Gullickson, Rob Hunter, Meg Shields, Jacob Trussell et moi-même.

10. Faust (1926)

C’est le premier film de F.W. Murnau sur notre liste de films d’horreur muets, mais ce ne sera pas le dernier. Le maître allemand affiche une maîtrise incroyable de l’écran d’argent avec ce conte magnifiquement sombre et véritablement glaçant aussi vieux que le temps. C’est une bataille pour l’âme d’un homme en tant que démon et ange, chacun pariant la maison sur la capacité de l’alchimiste Faust à résister à la tentation du diable ou à y céder. Une peste et quelques pactes de carrefour plus tard et ce n’est pas seulement l’âme de Faust qui est en jeu, mais toute l’humanité. Avec des techniques de tournage élaborées comprenant plusieurs caméras et un processus de tournage étendu, Faust était une sacrée entreprise, mais il est indéniable que cela en valait la peine. (Anna Swanson)

Le Fantôme de l’Opéra (1925)

Le fantôme de l’Opéra est l’une des histoires les plus célèbres de tous les temps et elle a été adaptée d’innombrables fois. En 1925, Universal s’y est attaqué avec Lon Chaney

prenant le rôle du fantôme titulaire. Le résultat a été un chef-d’œuvre qui se présente encore aujourd’hui comme l’une des meilleures adaptations du matériel source. Chaney est obsédant, en grande partie à cause du maquillage qu’il a lui-même créé. Ses yeux enfoncés et son visage allongé tombants sont aussi horribles qu’emblématiques. Le point culminant du film est la superbe scène de bal masqué dans laquelle le Fantôme apparaît déguisé en Mort rouge. Je ne veux pas ressembler à un vieil homme et dire: « ils ne les fabriquent pas comme avant », mais quand il s’agit du Fantôme, ils ne les fabriquent pas comme avant. (Chris Coffel)

Le Golem (1920)

Cette caractéristique très efficace en fait l’un des films d’horreur muets les plus inhabituels dans son étreinte manifeste de la légende juive. Le conte voit un rabbin prédire un désastre pour son peuple, et en réponse, il crée un grand mec en argile et lui insuffle à la fois la vie et le but — protéger le peuple juif. Créer la vie n’est pas le point fort de l’homme, cependant, et le golem est bientôt réquisitionné dans un but moins noble menant au carnage. Précurseur de la première sortie cinématographique de Frankenstein

, le film peut être vu comme une sorte d’inspiration, mais même sans cette connexion d’horreur, c’est un morceau puissant et parfois sombre de l’expressionnisme allemand. (Rob Hunter)

The Phantom Carriage (1921)

La légende dit que ce film d’horreur suédois était l’un des favoris d’Ingmar Bergman et qu’il le regardait au moins une fois par an. Il suffit d’un visionnement du film pour savoir pourquoi il était si aimé par le cinéaste. Avec un récit tortueux comprenant des flashbacks dans des flashbacks, The Phantom Carriage raconte l’histoire d’un homme en proie à son passé dont l’histoire recoupe une superstition folklorique selon laquelle toute personne qui meurt le soir du Nouvel An doit passer l’année suivante à conduire la voiture de la mort et à collecter les âmes des défunts. Bénéficiant d’effets spéciaux révolutionnaires dans les conceptions de la voiture et des fantômes, c’est un point de repère dans le cinéma suédois ainsi que dans le genre de l’horreur. (Anna Swanson)

L’Homme qui rit (1928)

Un rapide coup d’œil à l’image ci—dessus pensera probablement à l’une des deux choses – soit hé qui ressemble au Joker, soit hé ce gars a l’air effrayant comme l’enfer. Les deux peuvent être vrais, cependant. Le personnage principal de ce joyau de la fin des années 20 est depuis longtemps reconnu comme une source d’inspiration clé dans la création du méchant comique légendaire, Le Joker. Et he il est effrayant comme l’enfer. Son apparence troublante ne fait que devenir plus troublante avec une montre du film, car l’histoire derrière le sourire est obsédante. Des rois maléfiques, des bouffons tordus et un groupe de « voleurs d’enfants » jouent tous un rôle menant à ce qu’un jeune garçon ait ce « sourire » gravé chirurgicalement dans son visage. C’est horrible, et quand le garçon devient un homme, c’est une défiguration qui hante ses perspectives de relation et le met en difficulté. L’horreur du film peut être discutable pour certains car elle ne sombre pas dans une vengeance sanglante, mais les images et les actions implicites sont des cauchemars. Le roman de Victor Hugo se termine sur une note sévèrement déprimante tandis que le film prend une issue plus optimiste, mais la fin heureuse n’efface pas la douleur qui le précède. (Rob Hunter)